L’artisanat populaire est exactement ce qui rend notre culture riche et unique. Les touristes étrangers emportent avec eux des objets peints, des jouets et des produits textiles en souvenir de notre pays.
Presque tous les coins de la Russie ont leur propre type de travaux d'aiguille, et dans ce document, nous avons rassemblé les plus brillants et les plus célèbres d'entre eux.
Jouet Dymkovo
Le jouet Dymkovo est un symbole de la région de Kirov, soulignant sa richesse et histoire ancienne. Il est moulé en argile, puis séché et cuit au four. Il est ensuite peint à la main, créant à chaque fois un exemplaire unique. Il ne peut pas y avoir deux jouets identiques.
Peinture de Zhostovo
Au début du XIXe siècle, les frères Vishnyakov vivaient dans l'un des villages moscovites de l'ancien volost de Troitskaya (aujourd'hui district de Mytishchi) et peignaient des plateaux en métal laqué, des sucriers, des palettes, des boîtes en papier mâché, des cigarettes. étuis, théières, albums et autres choses. Depuis lors peinture artistique Le style Zhostovo a commencé à gagner en popularité et à attirer l'attention lors de nombreuses expositions dans notre pays et à l'étranger.
Khokhloma
Khokhloma est l'un des plus beaux métiers russes, né au XVIIe siècle près de Nijni Novgorod. Il s'agit d'une peinture décorative de meubles et d'ustensiles en bois, appréciée non seulement des connaisseurs de l'antiquité russe, mais également des résidents de pays étrangers.
Les motifs végétaux finement entrelacés de baies écarlates vives et de feuilles dorées sur fond noir peuvent être admirés à l’infini. Par conséquent, même les cuillères en bois traditionnelles, présentées à l'occasion la plus insignifiante, laissent au destinataire le souvenir le plus aimable et le plus long du donateur.
Peinture de Gorodets
La peinture de Gorodets existe depuis le milieu du XIXe siècle. Des motifs lumineux et laconiques reflètent des scènes de genre, des figurines de chevaux, de coqs, dessins floraux. Le tableau est réalisé d'un trait libre avec un contour graphique blanc et noir ; il décore des rouets, des meubles, des volets et des portes.
Filigrane
Le filigrane est l'un des espèce la plus ancienne traitement artistique des métaux. Les éléments d'un motif en filigrane peuvent être très divers : sous forme de corde, de dentelle, de tissage, de chevrons, de chemin, de point bourdon. Les tissages sont réalisés à partir de fils d'or ou d'argent très fins, ils paraissent donc légers et fragiles.
Malachite de l'Oural
Des gisements connus de malachite se trouvent dans l'Oural, en Afrique, en Australie du Sud et aux États-Unis. Cependant, en termes de couleur et de beauté des motifs, la malachite de pays étrangers ne peut être comparée à celle de l'Oural. C’est pourquoi la malachite de l’Oural est considérée comme la plus précieuse sur le marché mondial.
Cristal Gusev
Les produits fabriqués à la cristallerie Gus-Khrustalny se trouvent dans les musées du monde entier. Souvenirs russes traditionnels, articles ménagers, services de table de fête, bijoux élégants, boîtes, figurines fait soi-même reflète la beauté nature indigène, ses coutumes et ses valeurs primordialement russes. Les produits en cristal coloré sont particulièrement populaires.
Matriochka
Une fille joyeuse, potelée et ronde, portant un foulard et une robe folklorique russe, a conquis le cœur des amateurs de jouets folkloriques et de beaux souvenirs du monde entier.
Désormais, la poupée gigogne n'est pas seulement un jouet populaire, gardien de la culture russe : c'est un souvenir mémorable pour les touristes, sur le tablier duquel sont finement dessinés des scènes de jeu, des intrigues de contes de fées et des paysages avec des attractions. La poupée gigogne est devenue un objet de collection précieux qui peut coûter des centaines de dollars.
Émail
Les broches, bracelets, pendentifs vintage, qui sont rapidement « entrés » dans la mode moderne, ne sont rien de plus que des bijoux réalisés selon la technique de l'émail. Ce type d'art appliqué est né au XVIIe siècle dans la région de Vologda.
Les artisans représentaient des motifs floraux, des oiseaux et des animaux sur de l'émail blanc en utilisant diverses peintures. Puis l'art de l'émail multicolore a commencé à se perdre et l'émail monochrome a commencé à le supplanter : blanc, bleu et vert. Désormais, les deux styles sont combinés avec succès.
Samovar de Toula
DANS temps libre Un employé de l'usine d'armement de Toula, Fiodor Lisitsyn, aimait fabriquer quelque chose en cuivre et fabriquait autrefois un samovar. Puis ses fils ouvrirent un établissement de samovars où ils vendirent des produits en cuivre, qui connurent un énorme succès.
Les samovars de Lisitsyn étaient célèbres pour leur variété de formes et de finitions : tonneaux, vases ciselés et gravés, samovars en forme d'œuf, avec des robinets en forme de dauphin, avec des poignées en forme de boucle et peints.
Miniature Palekh
La miniature Palekh est une vision particulière, subtile et poétique du monde, caractéristique des croyances et des chansons populaires russes. La peinture utilise des tons brun-orange et vert bleuâtre.
La peinture Palekh n’a pas d’analogue dans le monde entier. Il est réalisé sur du papier mâché et ensuite transféré sur la surface de boîtes de différentes formes et tailles.
Gjel
La brousse de Gjel, une zone de 27 villages située près de Moscou, est célèbre pour son argile, extraite ici depuis le milieu du XVIIe siècle. Au XIXe siècle, les artisans de Gjel commencèrent à produire de la semi-faïence, de la faïence et de la porcelaine. Les objets peints d'une seule couleur restent particulièrement intéressants - la peinture bleue surglacée appliquée au pinceau, avec des détails graphiques.
Châles Pavlovo Possad
Lumineux et légers, les châles féminins Pavloposad sont toujours à la mode et pertinents. Ce artisanat populaire est apparu à la fin du XVIIIe siècle dans une entreprise paysanne du village de Pavlovo, à partir de laquelle s'est ensuite développée une manufacture de châles. Elle produisait des châles en laine aux motifs imprimés, très populaires à cette époque.
Désormais, les designs originaux sont complétés par divers éléments tels que des franges, créés dans différentes couleurs et restent un merveilleux accessoireà presque n’importe quelle image.
Dentelle de Vologda
La dentelle de Vologda est tissée sur des bâtons et des bobines en bois. Toutes les images sont réalisées avec une tresse de lin dense, continue et de largeur uniforme, frisée en douceur. Ils se détachent clairement sur le fond de treillis à motifs, décorés d'éléments en forme d'étoiles et de rosaces.
Écorce de bouleau sculptée Shemogodskaya
La sculpture Shemogodskaya est un artisanat d'art populaire russe traditionnel de sculpture sur écorce de bouleau. Les ornements des sculpteurs Shemogod sont appelés « dentelles d'écorce de bouleau » et sont utilisés dans la fabrication de boîtes, théières, trousses, étuis, plats, assiettes et étuis à cigarettes.
Le motif symétrique de la sculpture Shemogod se compose de motifs floraux, de cercles, de losanges et d'ovales. Le dessin peut inclure des images d'oiseaux ou d'animaux, des motifs architecturaux et parfois même des scènes de promenade dans le jardin et de consommation de thé.
Pain d'épice de Toula
Le pain d'épices de Toula est un délice russe. Sans ces produits sucrés et parfumés, aucun événement n'aurait eu lieu en Russie - ni drôle ni triste. Le pain d'épices était servi aussi bien à la table royale qu'à la table paysanne. La forme traditionnelle est donnée au pain d'épices à l'aide d'une planche avec un ornement sculpté.
Châle duveteux d'Orenbourg
Les écharpes sont tricotées à partir de duvet de chèvre naturel et sont incroyablement douces, belles, chaudes et pratiques. Les foulards en toile ajourée sont si fins et élégants qu'ils peuvent être enfilés dans une alliance. Ils sont appréciés par les femmes du monde entier et sont considérés comme un merveilleux cadeau.
L'artisanat populaire russe est une créativité particulière qui s'est développée dans les villes et villages de Russie, le plus souvent représentée par des figurines ou des peintures sur le thème de la vie populaire ou des histoires folkloriques. C'est le trésor national du peuple russe.
Jouet folklorique russe
Les jouets russes sous forme de personnages, d'animaux ou de scènes de contes de fées étaient auparavant fabriqués à des fins magiques et rituelles, notamment dans le nord et le centre de la Russie. Certains objets artisanaux existent depuis 700 ans, par exemple les jouets sifflets Filimonov, fabriqués en argile puis peints. En outre, le célèbre jouet en argile Dymkovo est originaire des XVe et XVIe siècles et, au XVIIe siècle, des jouets en bois, connus sous le nom de jouets de Bogorodsk, sont apparus dans le village de Bogorodskoye à Sergiev Posad.
Les principaux jouets de l'artisanat populaire russe :
Peintures folkloriques russes
Les ustensiles ménagers pouvaient traditionnellement être peints, de sorte que les articles ménagers ordinaires acquéraient un design national reconnaissable : la peinture. Depuis méthodes connues Peintures de Palekh , leurs motifs sont différents - des scènes bibliques et des visages de saints aux peintures de vrai vie ou des contes de fées. Le style s'est développé au XVIIIe siècle. A l'air particulièrement bien sur les boîtes. La peinture de Zhostovo est originaire du village de Zhostovo. Existe depuis 1825. Le motif principal est constitué de fleurs. Convient pour peindre des plats et des cuillères en bois. Et la peinture unique en bleu et blanc de Gjel sur céramique et porcelaine, principalement des plats et des figurines.
Les principales peintures de l'artisanat populaire russe :
artisanat russe
Les motifs folkloriques dans l'artisanat ne sont pas seulement une tradition, mais aussi une décoration de la vie quotidienne. Tout le monde connaît certains métiers russes, les poupées gigognes sont des poupées en bois d'une forme spécifique. des tailles différentes, mais il y en a d'autres : les foulards en laine (Orenbourg en est célèbre depuis le XVIIIe siècle), les biscuits en pain d'épice de Toula (ils sont recouverts de glaçage et remplis de confiture ou de lait concentré) et les samovars de l'usine P. N. Fomin, connue depuis 1870 ( tout le monde a entendu le proverbe sur le voyage « à Toula avec son samovar », le moulage Kasli – des figurines spécifiques en fonte (fabriquées dans la ville de Kasli, région de Tcheliabinsk).
Arts et artisanats populaires - activité de travail artistes folkloriques, basés sur une expérience collective, ateliers d'art qui développent les traditions culturelles locales, y compris celles produisant des souvenirs (par exemple des jouets).
Artisanat- une production manuelle à petite échelle, basée sur l'utilisation d'outils à main, la compétence personnelle du travailleur, qui permet la production de produits de haute qualité, souvent très artistiques, qui trouvent une application non seulement esthétique, mais aussi pratique.
artisanat artistique- s'appuyant sur l'expérience collective, une culture des compétences professionnelles du travail et des techniques techniques de transformation artistique de divers matériaux (cuir, métal, bois, etc.).
Arts et artisanats populaires avoir une large gamme de produits. L'art et l'artisanat populaires remontent à l'Antiquité, à l'artisanat domestique et à l'artisanat villageois, grâce auxquels les produits de première nécessité ont été créés. L'artisanat rural est connu depuis l'Antiquité et est en fait apparu au moment où l'humanité avait besoin de nouveaux outils et articles ménagers. DANS différentes régions et les régions, la culture et l'art différaient selon les peuples, par conséquent, leurs métiers différaient également.
Les produits sont considérés artisanat populaire tant que le processus de leur production n'est pas automatisé ou produit en série de type industriel ou en usine. L'habileté de fabriquer l'un ou l'autre type de produit artistique dans les arts et l'artisanat populaires a été transmise de génération en génération.
Artisanat populaire russe en Russie
Miniature Fedoskino- un type de peinture miniature traditionnelle en laque russe avec des peintures à l'huile sur papier mâché, qui s'est développée à la fin du XVIIIe siècle dans le village de Fedoskino près de Moscou. Les motifs préférés de la peinture des miniaturistes de Fedoskino étaient des sujets populaires à l'époque : « trois", "Teas parties", scènes de la vie paysanne russe et petite-russe. Le plus apprécié cercueils Et cercueils, décoré de compositions complexes à plusieurs figures - copies peintures d'artistes russes et d'Europe occidentale.
La « miniature en laque Fedoskino » est peinte avec des peintures à l'huile en trois ou quatre couches - ombrage (esquisse générale de la composition), écriture ou repeinture (travail plus détaillé), glaçage (modélisation de l'image avec des peintures transparentes) et surlignage (finition du travailler avec des peintures claires qui transmettent des reflets aux sujets). La technique originale de Fedoskino est « l'écriture à travers » : un matériau réfléchissant - de la poudre métallique - est appliqué sur la surface avant de peindre, Feuille d'or ou feuille d'or, ou les inserts sont fabriqués à partir de nacre. Affichage à travers des calques transparents glaçage couleurs, ces doublures donnent à l’image une profondeur et un effet lumineux étonnant. En plus de la peinture miniature, les produits sont décorés de « filigrane » (un ornement composé de morceaux miniatures de papier d'aluminium de la forme souhaitée disposés sur du vernis humide), de « tsirovanka » (grattage d'un motif à l'aide d'un motif sur vernis placé sur un feuille de métal sur la surface du produit), « tartan » (un maillage complexe, appliqué avec des peintures liquides à l'aide d'un stylo à dessin et d'une règle), etc.
Peinture de Zhostovo, La peinture est généralement réalisée sur fond noir (parfois sur rouge, bleu, vert, argent) et le maître travaille sur plusieurs plateaux à la fois.
Le motif principal du tableau est un simple bouquet floral dans lequel alternent grand jardin et petites fleurs sauvages.
Selon leur destination, les plateaux sont divisés en deux groupes : à usage domestique (pour les samovars, pour servir de la nourriture) et comme décoration.
Les plateaux ont des formes rondes, octogonales, combinées, rectangulaires, ovales, etc.
Miniature de Palekh, les sujets typiques de la miniature de Palekh sont empruntés à Vie courante, œuvres littéraires classiques, contes de fées, épopées et chansons. Les œuvres sont généralement réalisées à la détrempe sur fond noir et peintes en or.
Jouet Dymkovo, le jouet Dymkovo est un produit artisanal. Chaque jouet est la création d'un seul maître. Fabriquer un jouet, du modelage à la peinture, est un processus unique et créatif, jamais répété. Il n’existe pas et ne peut pas y avoir deux produits absolument identiques. Chaque jouet est unique, unique et inimitable.
Pour sa production, on utilise de l'argile locale rouge vif, soigneusement mélangée à du sable fin de rivière brun. Les personnages sont sculptés en plusieurs parties, les pièces individuelles sont assemblées et sculptées en utilisant de l'argile rouge liquide comme matériau de liaison. Les traces de moulage sont lissées pour donner au produit une surface lisse et soignée.
Après séchage complet pendant deux à cinquante jours et cuisson à une température de 700-800 degrés, les jouets sont recouverts de détrempe blanche en deux ou trois couches (auparavant le blanchiment se faisait avec de la craie diluée dans du lait). Auparavant, les jouets étaient peints avec de la détrempe mélangée à des œufs et du kvas, en utilisant des bâtons et des plumes au lieu de pinceaux. Le jouet peint était à nouveau recouvert d'œuf battu, ce qui donnait aux peintures à l'aniline fanées brillance et luminosité. Aujourd'hui, les colorants aniline et les pinceaux à noyau souple sont utilisés pour la peinture. L'utilisation d'une large gamme, dans laquelle il y a beaucoup de rouge, jaune, bleu, vert, écarlate, confère au jouet Dymkovo une luminosité et une élégance particulières. Un ornement strictement géométrique est construit selon une variété de schémas de composition : cellules, rayures, cercles, points sont appliqués dans diverses combinaisons. La décoration est complétée par des jouets en diamant en feuille d'or ou en feuille d'or, collés sur le motif.
Les sujets les plus courants : les nounous avec enfants, les porteurs d'eau, les béliers aux cornes d'or, les dindes, les coqs, les cerfs et, bien sûr, les jeunes, les bouffons, les dames.
Les demi-teintes et les transitions imperceptibles sont étrangères au jouet Dymkovo. Tout cela est une plénitude débordante du sentiment de joie de vivre. Elle est particulièrement douée en couple et en groupe avec d'autres, à proximité immédiate de ses frères et sœurs de la colonie sur la rivière Viatka.
Jouets de Kargopol Les artisans sculptaient des jouets à partir de restes d'argile, sans leur donner de signification particulière. Les chevaux d'argile, les harnais, les figurines de personnes et d'animaux étaient peu coûteux, n'étaient pas particulièrement demandés et étaient sculptés davantage pour leur propre plaisir que pour gagner de l'argent. Initialement, les jouets, comme la vaisselle, étaient « échaudés ». Après la cuisson, le produit chaud a été immergé dans un « bavard » - une solution de farine épaisse. La farine brûlée laissait un motif de dentelle noire sur la surface claire du récipient ou du jouet. Décorés d'ornements archaïques rayés, ces jouets dans leur naïveté rappelaient davantage les œuvres des artistes de l'âge de pierre. Des plats émaillés et des jouets plus chers ont également été fabriqués. Au début des années 1930, la poterie a progressivement disparu et, plus tôt encore, la production de jouets a cessé. Seuls quelques artisans continuèrent à les fabriquer.
Les premiers jouets de Kargopol qui ont survécu à ce jour peuvent être considérés comme les œuvres d'Ivan Virenturg et d'Ekaterina Abdulaeva Druzhinin, qui ont travaillé dans les années 1930-1940. Il s'agit principalement de figures uniques de paysans et de dames, peintes à la chaux, à la suie et aux argiles colorées. Elles sont grossièrement sculptées et leurs visages plats et les détails généralisés de leur silhouette et de leurs vêtements rappellent les anciennes femmes de pierre. La peinture des personnages combine des ovales, des cercles, des croix, des taches, rappelant également des motifs ornementaux anciens.
Le jouet Kargopol moderne est moins archaïque. Tout en préservant les formes traditionnelles, les maîtres d'aujourd'hui la rendent plus élégante, en soulignant parfois plus clairement les détails, en peignant généreusement à l'huile et à la détrempe, en évitant toutefois les panachures excessives. En plus des figures humaines, les habitants de Kargopol sculptent des chevaux, des vaches, des ours, des cerfs, des héros de contes de fées et d'épopées. L'un des personnages les plus populaires du jouet Kargopol était et reste Polkan - mi-cheval, mi-homme (à l'origine mi-homme, mi-chien) avec une barbe épaisse, portant des ordres et des épaulettes. Parmi les autres héros de contes de fées, il y a un lion, l'oiseau Sirin et un cheval à deux têtes.
Préservant la tradition, les fabricants de jouets de Kargopol proposent de nouvelles formes et de nouveaux thèmes pour leurs œuvres. C'est ainsi qu'apparaissent les compositions à plusieurs figures - troïkas, charrettes, chasses, etc. Elles sont décorées non pas d'un motif délavé dessiné à l'argile colorée sur fond calcaire, mais d'une peinture à la détrempe lumineuse.
Jouet Abashevskaya - sifflets, représentant des animaux, prenant souvent fantasmagorique look fabuleux. Les figurines ont un corps allongé avec des jambes courtes et largement espacées et un long cou gracieux. Des yeux profondément griffés ressortent sur la petite tête soigneusement sculptée. Les têtes de chèvres, de cerfs et de béliers sont couronnées de cornes recourbées, parfois à plusieurs étages. Les franges luxuriantes, les barbes bouclées et les crinières sont clairement modelées, leurs contours, soulignés par une pile, ont un motif strict et un haut relief.
Les sifflets sont peints avec des couleurs d'émail vives - bleu, vert, rouge, dans les combinaisons les plus inattendues. Certains détails, comme les cornes, peuvent être peints en argent ou en or. Parfois, certaines parties des personnages restent non peintes et contrastent fortement avec les taches frappantes de l'émail. Sous les mains d'un maître, des animaux ordinaires se transforment en créatures fabuleuses.
Sculpture Abramtsevo-Kudrinskaya, artisanat artistique de la sculpture sur bois,
Dans l'atelier Kudrinskaya, un style particulier de sculpture ornementale a été formé, des combinaisons réussies de sculpture en relief plat avec une sculpture géométrique ont été trouvées et les principes de l'utilisation organique du décor sculpté dans les objets utilitaires ont été posés. Les produits de Vornoskov et de ses disciples - louches, boîtes, tonneaux, salières, plats décoratifs et vases, recouverts de motifs floraux rythmés, se distinguent par une variété de teintes qui soulignent la beauté naturelle du bois. Les motifs floraux sont basés non seulement sur des exemples de produits paysans sculptés et de décoration intérieure, mais également sur des coiffes ornementales de premiers livres imprimés. Le développement de l'ornement des maîtres Kudrinsky est passé de la combinaison d'éléments individuels - brindilles, boucles, rosaces - à des compositions ornementales intégrales couvrant l'ensemble du produit.
Sculpture Bogorodskaya, Jouet Bogorodskaïa- L'artisanat populaire russe, qui consiste à fabriquer des jouets sculptés et des sculptures en bois tendre (tilleul, aulne, tremble). Son centre est le village de Bogorodskoye (district de Sergiev-Posad de la région de Moscou). La sculpture de Bogorodskaya est réalisée à l'aide d'un couteau spécial « Bogorodskaya » (« brochet »).
Un des caractéristiques distinctives L'artisanat a toujours été la production de jouets en mouvement. Le jouet le plus célèbre est celui des « Forgerons », représentant généralement un homme et un ours qui frappent alternativement une enclume. Ce jouet, dont l'âge, selon certaines sources, dépasse 300 ans, est devenu un symbole à la fois de l'artisanat de Bogorodsk et de Bogorodskoye lui-même, devenant une partie des armoiries du village.
Le jouet des forgerons a plus de 300 ans. Le jouet du forgeron est devenu un symbole de l'artisanat de Bogorodsk. Il suffit de déplacer les planches et le travail rapide commence immédiatement. Les personnages se déplacent à un rythme clair et les marteaux frappent sur l'enclume au rythme. Le jouet "Poulets", très similaire dans son principe à "Kuznetsov", est également un foie long : les enfants jouaient avec lui à l'époque de Pouchkine et de Lermontov. Le « amusement » complexe avec équilibre repose sur l’idée de rythme, à laquelle l’enfant est naturellement sensible. Leurs mécanismes eux-mêmes sont simples, mais leurs actions sont efficaces. Le son améliore la dynamique du jouet.
Émail de Rostov, Émail(Ancien finipe russe, khimipet, du grec moyen χυμευτόν, le même de χυμεύω - "Je mélange") - la production d'œuvres d'art à l'aide de poudre vitreuse, d'émail, sur un substrat métallique, un type d'art appliqué. Le revêtement du verre est durable et ne se décolore pas avec le temps, et les produits en émail sont de couleur particulièrement brillante et pure.
L'émail acquiert la couleur souhaitée après cuisson à l'aide d'additifs utilisant des sels métalliques. Par exemple, l'ajout d'or donne au verre une couleur rubis, le cobalt lui donne une couleur bleue et le cuivre lui donne une couleur verte. Lors de la résolution de problèmes de peinture spécifiques, la luminosité de l'émail peut, contrairement au verre, être atténuée.
L'émail de Rostov est un artisanat d'art populaire russe ; existe depuis le XVIIIe siècle dans la ville de Rostov (région de Yaroslavl). Les images miniatures sont réalisées sur émail à l'aide de peintures transparentes ignifuges, inventées en 1632 par le joaillier français Jean Toutin.
une des formes de l'art populaire (notamment la production d'arts décoratifs et appliqués (Voir Arts décoratifs et appliqués)). Beaucoup de N. x. Leurs racines remontent à l'Antiquité, lorsque l'artisanat domestique et l'artisanat villageois se sont développés. Avec le développement des relations marchandise-argent, des technologies agricoles artisanales se sont formées. etc., travaillant pour le marché. Dans les conditions du capitalisme N. x. les articles acquièrent le caractère d'ateliers privés impliqués dans le système général du marché capitaliste ; souvent, ils ne pouvaient pas résister à la concurrence des produits industriels, dégénéraient et mouraient. Fin XIXème – début XXème siècles. Dans de nombreux pays, la renaissance de N. x. n. Ce processus est devenu systématique dans les pays socialistes. Elle est facilitée par la coopération d'artisans populaires et l'assistance d'instituts de recherche spéciaux. Dans les pays (principalement en Asie et en Afrique) où les relations capitalistes marchandise-argent étaient sous-développées, N. x. n. n'a pas cessé d'exister. Branches de N. x. les articles sont variés. Il s'agit de la broderie, de la céramique, des vernis artistiques, du tissage de tapis, du traitement artistique du bois, de la pierre, du métal, de l'os, du cuir, etc. En savoir plus sur N.x. p.voir art. L'art populaire, dans des sections consacrées aux beaux-arts et aux arts décoratifs, des articles sur les républiques de l'URSS, les pays, ainsi que dans des articles spéciaux sur l'art populaire. articles : sculpture Abramtsevo-Kudrinskaya, sculpture Bogorodskaya, noircissement Veliky Ustyug sur argent, dentelle de Vologda, céramique de Gjel, peinture de Gorodets, jouet Dymkovo, dentelle Yelets, peinture de Zhostovo, colonne vertébrale du capo Kirov, Kosov, broderie Krestetskaya, Kouban (Voir. ) , Mstera broderie, miniature Mstera, Oposhnya, miniature Palekh, céramique de Skopinsk, os sculpté de Tobolsk, broderie d'or de Torzhok, miniature Fedoskino, os sculpté de Kholmogory, miniature de Kholuy, os sculpté de Khotkovsk, peinture de Khokhloma, os sculpté de Chukchi, écorce de bouleau en os sculpté de Shemogodskaya
Grande Encyclopédie soviétique. - M. : Encyclopédie soviétique. 1969-1978 .
Voyez ce que sont les « métiers d'art populaire » dans d'autres dictionnaires :
Une des formes de l'art populaire (en particulier la production d'arts décoratifs et appliqués). De nombreux arts et métiers populaires ont leurs racines dans les temps anciens, lorsque l'artisanat domestique et rural... ... Encyclopédie des arts
- ... Wikipédia
ARTS POPULAIRES, une des formes de l'art populaire, la production de produits d'art populaire (notamment la production d'œuvres d'art décoratif). Retour à l'Antiquité, à l'artisanat et à la campagne... ... Encyclopédie moderne
Grand dictionnaire encyclopédique
Une des formes de l'art populaire, la production de produits d'art populaire. L'art et l'artisanat populaires remontent à l'Antiquité, à l'artisanat domestique et à l'artisanat villageois. Plus tard, ceux qui travaillaient pour le marché se sont formés... ... Dictionnaire encyclopédique
Arts et artisanats populaires- Produits de l'artisanat populaire tchèque. ARTS POPULAIRES, une des formes de l'art populaire, la production de produits d'art populaire (notamment la production d'œuvres d'art décoratif). Retournez à l'Antiquité, à... ... Dictionnaire encyclopédique illustré
Arts et artisanats populaires- forme de personnes créativité, y compris la production d'articles ménagers ayant le caractère d'œuvres décoratives. adj. revendication va : broderie, céramique, tissage de tapis, transformation du bois, de la pierre, du métal, de l'os, du cuir, tissage de dentelles, etc. N.H.P., en règle générale, ... ... Dictionnaire encyclopédique humanitaire russe
Arts et artisanats populaires- une des formes de l'art populaire (notamment la confection de dentelles et d'articles en dentelle, la broderie, le tricot, etc.). De nombreux N.H.P ont leurs racines dans les temps anciens, lorsque l'artisanat et la campagne... ... Encyclopédie de la mode et de l'habillement
L'art et l'artisanat populaires sont l'une des formes de l'art populaire, la production de produits artistiques. Histoire L'art et l'artisanat populaires remontent à l'Antiquité, à l'artisanat domestique et à l'artisanat villageois. Plus tard... ...Wikipédia
Matriochka est un jouet russe en bois sous la forme d'une poupée creuse peinte, à l'intérieur de laquelle se trouvent des poupées similaires plus petites. Les peintures traditionnelles de matriochka représentent souvent des paysannes dans des tenues traditionnelles. Dernièrement... ... Wikipédia
Livres
- Arts et métiers populaires de l'URSS. En 1979, à Moscou, dans les salles de la Maison centrale des artistes, a eu lieu l'exposition pan-syndicale des œuvres des maîtres des métiers d'art populaire. Il présentait des œuvres réalisées…
L'art et l'artisanat populaires remontent à l'Antiquité, à l'artisanat domestique et à l'artisanat villageois. Plus tard, des métiers artisanaux travaillant pour le marché se sont formés, ainsi que des ateliers privés, impliqués dans le système de marché capitaliste et souvent incapables de résister à la concurrence des produits industriels. Fin XIXème – début XXème siècles. Dans de nombreux pays, un renouveau de l'artisanat artistique populaire a commencé, notamment en Russie. Dans notre pays, il existe un programme d'État spécial pour soutenir et faire revivre l'artisanat populaire russe original, notamment : les plateaux de Khokhloma, Gjel, Zhostovo, l'écorce de bouleau, les boîtes Fedoskino, les Samovars, les Balalaikas, la peinture de Gorodets.
Mais avant tout, il convient de découvrir d'où viennent ces œuvres d'art légitimes en Russie, qui ont traversé des siècles et beaucoup de difficultés, transmises de génération en génération, de maître en maître, de père en fils, l'artisanat populaire a atteint notre époque !
Sur la rivière Uzola, dans les anciennes forêts de la région de Trans-Volga, se trouvent d'anciens villages russes - Novopokrovskoye, Khryashi, Kuligino, Semino. C'est ici que la célèbre pêcherie de Khokhloma retrace son histoire. Dans ces villages vivent encore aujourd'hui des maîtres artistes qui peignent des plats en bois, perpétuant les traditions de leurs pères, grands-pères et arrière-grands-pères.
Cependant, réglez l'heure d'apparition Peinture de Khokhloma Les chercheurs n’ont pas encore réussi. Après tout, les plats en bois et autres ustensiles n'ont pas été stockés pendant longtemps. Suite à une utilisation fréquente, il s'est usé et est devenu inutilisable. Il a été jeté ou brûlé, remplacé par un neuf. Les produits des maîtres de Khokhloma ne nous sont parvenus principalement qu'à partir du 19ème siècle. Mais différent informations documentaires indiquent que la pêcherie est originaire de plus tôt, peut-être au 17ème siècle.
La technique originale caractéristique de Khokhloma, où la peinture au cinabre et à la peinture noire était réalisée sur un fond doré, trouve des analogies dans l'art russe ancien.
Les documents mentionnent qu'à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, dans la Laure de la Trinité-Serge, lors de la réception cérémonielle des invités, on leur présentait des louches en bois décorées d'or et de cinabre, ainsi que des tasses.
Au début du XVIIe siècle, les terres de la Trans-Volga furent attribuées à la Laure de la Trinité-Serge, parmi lesquelles se trouvait Khokhloma. Les paysans non seulement voyaient ces plats dorés, mais savaient aussi comment les peindre. Mais les maîtres de Khokhloma avaient leur propre méthode de « dorure ». Les plats étaient frottés avec de la poudre d'étain, recouverts d'huile siccative et chauffés dans des fours sculptés et dorés. Huile siccative de haute température est devenu jaune et l'étain qui brillait à travers lui est devenu doré.
L'un des meilleurs maîtres de la peinture de Khokhloma a parlé de cet artisanat ainsi : (La nature même de la peinture, imitant des plats d'or et d'argent, a été suggérée par l'art décoratif de la Russie antique... Khokhloma n'était probablement qu'un reflet tardif de ce grand art...)
Au XIXe siècle, la pêcherie s'est tellement développée qu'elle approvisionnait grandes quantités non seulement sur le marché intérieur, mais aussi à l'étranger vers les pays Asie centrale Et Europe de l'Ouest. Plusieurs villages des districts de Semenovsky et Balakninsky de la province de Nijni Novgorod, de Makarinsky et de Varnavinsky - province de Kostroma étaient engagés dans la production de plats et d'autres articles ménagers. Parmi eux, il y avait quelque chose comme une division du travail. Dans un village, on traitait le bois, dans un autre, on appliquait un dessin.
Les premières œuvres de Khokhloma dans la collection du Musée russe remontent à la seconde moitié du XIXe siècle. Ils comptent environ 170 articles ménagers à des fins diverses. Les plats sont représentés par des bols et des tasses de toutes tailles : des plus petites, semblables à des rosaces à dessert, aux énormes de 70 à 80 centimètres de diamètre ; divers fournisseurs et barils de salières et une variété de cuillères.
Les plats de tous les jours bon marché se distinguaient par des motifs simples appliqués avec des tampons spéciaux en feutre ou un champignon imperméable. Ce sont des spirales, des losanges, des petites rosettes et des feuilles.
Les articles plus chers étaient peints à la main avec un pinceau, créant diverses compositions de motifs à base de plantes, où de fines brindilles rouges et noires légèrement courbées avec des brins d'herbe luxuriants et plumeux étaient combinées en rythme.
Parfois, de l'herbe duveteuse rouge et noire complétait le motif ornemental principal d'une grande tige bouclée, dont chaque boucle se terminait par une baie rouge.
Dans les années 1960, des ensembles et des services multi-articles ont commencé à être produits.
Le Khokhloma moderne a à juste titre reçu une large reconnaissance non seulement dans notre pays, mais aussi bien au-delà de ses frontières. Des couverts, des tasses, des cuillères et des meubles aux couleurs vives sont exposés dans de nombreuses grandes expositions internationales. Et cet art unique et joyeux trouve toujours amour et compréhension parmi les personnes de toutes nationalités.
Il existe un village appelé Zhostovo dans la région de Moscou, dont les habitants maîtrisent l'art de décorer une seule chose depuis plus d'un siècle et demi : un plateau. Sous le pinceau des peintres populaires, cet objet a acquis des qualités oeuvre d'art. Recueillies en bouquets ou librement étalées sur un fond noir brillant, les fleurs du jardin et des champs décorent le plateau et apportent aux gens un sentiment de joie de l'âme, la poésie de l'éternelle floraison de la nature. Après tout, il n'y a pratiquement personne qui n'aime pas la nature, qui soit indifférente aux fleurs, à leur beauté, à leur arôme et au grand pouvoir de vie qu'elles contiennent. Ce sujet est proche de tout le monde, c'est pourquoi il y a tant d'admirateurs du talent de Zhostovo non seulement dans notre pays, mais aussi à l'étranger.
Et il était une fois, au début du XIXe siècle, lorsqu'il ouvrait à Zhostovo le premier atelier de fabrication de produits en papier mâché, le marchand Philippe Nikitievitch Vishnyakov n'avait aucune idée qu'il avait fondé un nouveau métier, qui allait devenir l'un des centres uniques de la culture populaire russe. L'art original de la peinture décorative s'est développé ici, intégrant les traditions peintures folkloriques sur des objets du quotidien et des peintures de chevalet représentant des natures mortes, comprises à leur manière et traitées par des artisans populaires. Les premiers plateaux étaient en papier mâché, tout comme les boîtes, tabatières, boîtes vintage et coffrets fabriqués avec ceux-ci. Au début, les peintures qui les ornaient étaient les mêmes - des paysages peints à partir de gravures et de peintures, des trios de chevaux d'été et d'hiver, des goûters à table. Placées sur un fond noir au centre du champ, les silhouettes des personnages et les taches de couleurs locales étaient clairement lisibles.
Dans les années 1830, les plateaux de Zhostovo commencèrent à être en métal. L'idée de remplacer le papier mâché par un matériau plus durable a été inspirée par les plateaux Zhostovo de Nizhny Tagil, le célèbre centre de leur production au XVIIIe siècle. Au XIXe siècle, des plateaux étaient fabriqués à Tagil, décorés de motifs floraux caractéristiques des ustensiles peints populaires de l'Oural.
Un autre centre célèbre pour la production de plateaux était Saint-Pétersbourg. Ici, les plateaux aux formes bouclées et aux motifs complexes représentant des fleurs, des fruits, des oiseaux parmi diverses coquilles et des boucles fantaisistes étaient à la mode.
Les maîtres de Zhostovo ont pris en compte l'expérience des peintres de Nijni Tagil et de Saint-Pétersbourg, mais n'ont pas seulement utilisé les styles et les techniques qu'ils aimaient, mais, sur cette base, ils ont créé leur propre style et caractère pour la décoration des plateaux. Il s'est développé dans les années 1870-1880.
Pendant cette période, la demande de plateaux a augmenté dans les villes. Dans les tavernes, les débits de boissons et les hôtels, les plateaux étaient utilisés aux fins prévues et comme décoration intérieure. La production de plateaux à Zhostovo s'est progressivement séparée des miniatures en laque sur papier mâché. De nombreux ateliers ont vu le jour et ont produit des plateaux destinés à la vente à Moscou, à Saint-Pétersbourg et dans d'autres régions. Depuis lors et jusqu'à aujourd'hui, Zhostovo et les villages environnants constituent une sorte de réserve de cet art unique.
La collection de plateaux Zhostovo du Musée russe est petite. Mais il contient des œuvres de premier ordre, réalisées à différentes périodes de la vie de l'artisanat et reflétant clairement les caractéristiques et le niveau d'art de leur époque.
Parmi les œuvres les plus célèbres figure un plateau ovale décoré de peinture en nacre.
Presque tous les plateaux anciens portent la marque de l'atelier dans lequel ils ont été fabriqués. A partir de cette marque, vous pouvez connaître le nom du propriétaire de l'atelier, et à partir de là, vous pouvez déterminer l'heure de création du plateau.
À une distance de 50 à 60 kilomètres au nord-est de Moscou, dans le district de Ramensky, le long de l'autoroute Yegoryevskoye, se trouvent deux douzaines de beaux villages et hameaux fusionnés les uns avec les autres.
Gjel est le nom de l'un des villages - un ancien centre du Volost, devenu un collectif pour toute la région, symbole d'un art et d'un savoir-faire populaire uniques.
Gjel est le nom donné aux produits en porcelaine hautement artistiques fabriqués dans ces lieux, peints au cobalt sur fond blanc.
Gjel a été mentionnée pour la première fois dans des sources écrites en 1339 dans la lettre spirituelle d'Ivan Danilovich Kalita. Depuis lors, au fil des siècles, en tant que l'une des volosts les plus rentables, Gjel a été héritée par la famille des grands princes et tsars de Moscou, leur apportant des revenus considérables.
Au XVIe siècle, les habitants de Gjel transportaient les ustensiles ménagers excédentaires à Moscou, ainsi que chez les potiers de Moscou de Yauzskaya Sloboda, certains y restaient pour travailler ; Ils se sont également rendus aux foires et aux ventes aux enchères de Moscou. Lors de la vente aux enchères, nous avons fait connaissance avec des produits importés d'artisans d'autres régions de Russie et d'autres pays.
Sur la base de l'artisanat et du commerce paysans, un nouveau type de population paysanne de Gjel est progressivement apparu.
Dans les années 70 et 80 du XVIIIe siècle, Gjel est devenue le centre de production de majolique artistique en Russie. Le fait est que depuis l'ouverture de la manufacture d'Afanasy Grebenshchikov en 1724, de nombreux habitants de Gjel y travaillaient comme potiers. Intelligents et efficaces, ils ont rapidement compris les secrets de la nouvelle production de produits en majolique et, de retour dans leur pays natal, ils ont démarré leurs forges primitives, mais nombreuses, nouvelles, ont créé leurs produits non seulement à partir d'argile rouge ordinaire, comme auparavant, mais ont utilisé nouvelle technologie masses blanches avec des mélanges d'autres types d'argiles et d'additifs minéraux.
Les produits originaux de Gjel étaient en demande constante. Les paysans artisans travaillaient de l'aube au crépuscule, manipulant l'argile et créant à partir d'elle les objets nécessaires à la vie quotidienne. Chacun d'eux avait son propre style et lors de la création de produits, il introduisait sa propre vision du monde qui l'entourait. La valeur de la vaisselle et des jouets était déterminée par les goûts des acheteurs et contrôlée par leur demande. La popularité des produits de Gjel signifiait qu'ils répondaient aux exigences correspondant aux objectifs utilitaires et aux goûts artistiques des gens de cette époque. Au milieu du XVIIIe siècle, la production de poterie a commencé à se développer assez rapidement en Russie, mais les produits de Gjel étaient en demande constante. De là, la production de céramique s'étend à Kolomenskaya, Serpukhovskaya et à d'autres districts de la province de Moscou.
La fin du XVIIIe siècle fut l'apogée de la majolique de Gjel ; Les artisans locaux ont acquis des compétences particulièrement grandes dans la fabrication de cruches, de kumgans et de kvas. Le travail exigeait beaucoup de patience et d'habileté. La peinture ne permettait aucune correction ou altération, puisqu'elle était réalisée sur un tesson tendre, non cuit, recouvert d'émail blanc. Les Gjeliens produisaient également séparément de petites sculptures en majolique, qui reflétaient souvent des scènes typiques de leur vie, des compositions pleines d'humour, des soldats, des paysannes, des fashionistas et des dandys occupés avec une chose ou une autre. Les intrigues étaient expressives et intelligibles, captivantes par la clarté de leurs plans et la naïveté de leurs créateurs - de simples artisans populaires.
Pendant de nombreuses décennies, les habitants de Gjel ont créé des carreaux d'une beauté étonnante et une variété de peintures pour décorer les poêles et les cheminées. L'Ermitage conserve désormais plus de 500 de leurs échantillons dans sa collection.
De nombreux maîtres de Gjel ont participé à la création de poteries ailleurs en Russie.
Gjel a essayé de fabriquer de la semi-faïence dernières années XVIIIe siècle. Les objets fabriqués à partir de ce matériau importés de l'étranger étaient si chers que seuls quelques-uns pouvaient les acheter, mais ils ont involontairement poussé les habitants de Gjel à maîtriser la technologie de leur production.
La semi-faïence avait déjà un éclat blanc, quoique épais, et la peinture était réalisée non pas sur de l'émail brut, comme sur les produits en majolique, mais après cuisson, sur un éclat dur, ce qui facilitait grandement, accélérait le travail et accélérait les défauts.
La semi-faïence est devenue un phénomène artistique aussi merveilleux que la majolique. Les habitants de Gjel ont réussi à se procurer de la vaisselle blanche, semblable à la faïence, au début du XIXe siècle. En ajoutant de la chaux à leur argile, les habitants de Gjel obtenaient un matériau appelé faïence simple ou semi-faïence et, au XIXe siècle, ils créaient des dizaines de milliers d'articles ménagers nécessaires.
Il a fallu un certain temps aux habitants de Gjel pour développer leur propre style unique de peinture au cobalt, mais peu à peu, il a atteint la perfection en semi-faïence. Couleur bleue devient classique, indissociable de la semi-faïence de Gjel. Il s’agit d’un nouveau langage pictural visuel qui remplace le dessin des contours par la coloration polychrome, auparavant utilisée dans la majolique. La peinture bleue se combine mieux avec le vernis, produit moins de défauts lors de la cuisson et dégage un éclat intemporel. Le tableau contient également des éléments d’humanisation et de spiritualisation des choses.
Au milieu du XIXe siècle, Gjel était le plus grand fournisseur de produits céramiques du pays.
Dans la seconde moitié du XIXe siècle, des changements importants se produisent dans la production céramique russe. Les grandes usines mécanisées sont désormais en tête. Une production économique, des produits de haute qualité et des prix modérés ont permis de gagner la bataille sur les marchés de vente.
En 1926, le nombre d'ouvriers de l'industrie de la porcelaine et de la faïence dans la région de Gjel était de 506 personnes.
Le partenariat de Gjel est né de la fusion de six petits ateliers de différents villages en 1972.
Dans le village de Zhirovo, ils produisent des cheminées en céramique, dans les villages de Troshkovo et Fenino - des plats en poterie et en majolique. Dans le village de Fenino, en collaboration avec une entreprise italienne, une usine de production de carrelage et de carrelage est en cours de création. Les jouets en porcelaine sont fabriqués dans le village de Kolomino-Fryazino et les installations de production modernes dans les villages de Turygino et Bakhteevo constituent les principaux centres de production de porcelaine artistique.
Les maîtres de Gjel préservent profondément et sacrément les traditions de leurs ancêtres, les développent et les multiplient de manière créative. Dans le monde semi-féerique créé par les céramistes de Gjel d'aujourd'hui, il est difficile de tracer une ligne claire entre l'art du passé et celui du présent. La source qui a surgi il y a des siècles dans l’âme du peuple russe ne tarit pas ; Ayant traversé l’épaisseur des siècles, il reste toujours une puissante force esthétique et ne perd pas sa pureté. La continuité des traditions des artisans populaires et leur fidélité sont la graine du succès et de la popularité de la céramique de Gjel à notre époque.
L'histoire de Gjel remonte à plusieurs siècles et son art populaire est destiné à avoir une longue vie ; aujourd'hui, le célèbre artisanat populaire gagne une nouvelle force. Les oiseaux bleus de Gjel volent vers différentes parties de la planète pour décorer la vie des gens et cultiver le sens de la beauté.
écorce de bouleau
Écorce de bouleauPendant longtemps en Russie, l'écorce de bouleau était utilisée pour fabriquer des objets ménagers et pratiques - des paniers et des boîtes étaient tissés. Et dans des récipients en écorce de bouleau, ils stockaient le miel et les baies, la crème sure et Beurre... Dans un tel «emballage», tout restait frais longtemps.
Ils fabriquaient également des boîtes et des cercueils en écorce de bouleau, toutes sortes de boîtes, de plats et même des chaussures en liber. Ils étaient peints de couleurs vives et gaies : ils peignaient des fleurs et des baies, des brindilles vertes et des oiseaux fabuleux, des animaux inconnus ou bien connus. Parfois, sous le pinceau du maître, un véritable tableau naissait : des bouffons jouaient des balalaïkas, des ours dansaient... Vous ne pouvez quitter des yeux le beau motif, l'ornement coloré...
L'écorce de bouleau est un excellent matériau pour couper couteau bien aiguisé fins motifs de dentelle. Il semble que cette beauté ait été tissée par une dentellière qualifiée. Une telle « dentelle » d'écorce de bouleau ajourée était utilisée pour décorer des cercueils, des cercueils, des poudriers et des boîtes, des vases et des tasses. Et pour souligner le motif et le design fantaisistes, les artisans plaçaient parfois des feuilles colorées ou des morceaux de mica sous la « dentelle » d’écorce de bouleau.
Ils appuyaient également des motifs sur l'écorce de bouleau avec des tampons spéciaux. C'est ce qu'on appelle le gaufrage. Cette méthode rendait les produits fabriqués à partir de cette méthode particulièrement élégants.
L’écorce de bouleau est utilisée depuis longtemps pour fabriquer divers produits ménagers et artistiques. Des lettres en écorce de bouleau trouvées lors de fouilles à Veliky Novgorod et dans d'autres villes russes ont survécu jusqu'à ce jour. Les produits en écorce de bouleau étaient décorés de peintures, de sculptures et de gaufrages.
Le commerce de l'écorce de bouleau était répandu dans tout notre pays. Les traditions de fabrication de produits artistiques à partir d'écorce de bouleau ont été préservées dans les régions du nord et du nord-est de la partie européenne de la Russie, dans la région de la Volga, en Sibérie et en Yakoutie.
Et aujourd'hui, au XXIe siècle, l'intérêt pour l'artisanat populaire ancien et l'art de nos ancêtres ne s'est pas estompé. Nous admirons le talent des maîtres qui nous ont donné la beauté. Et peu importe qu'il soit fabriqué non pas à partir d'or et d'argent, mais à partir d'écorce de bouleau ordinaire, modeste mais aussi magique.
L'origine de la peinture de Mezen reste encore un mystère. Certains chercheurs le comparent à la peinture de la République de Komi, d'autres pensent qu'elle provient d'images grecques anciennes. Chercheur en peinture V.S. Voronov, par exemple, a déclaré à ce sujet: "Il s'agit d'un ornement qui a conservé dans ses éléments les vestiges les plus profonds des styles grecs antiques archaïques, recouvrant les surfaces des objets en bois d'une épaisse dentelle." Il est très problématique d'établir cela à notre époque, car peut-être plus de cent ans se sont écoulés depuis l'apparition de la peinture de Mezen. On en a eu connaissance en 1904, mais, bien entendu, la peinture est née bien plus tôt. Le caractère inhabituel de la peinture, son caractère graphique et l'interprétation primitive-conventionnelle des images de chevaux et d'oiseaux incitent les chercheurs à rechercher les origines de la peinture de Mezen dans l'art des pays voisins. peuples du Nord et dans les peintures rupestres. CONTRE. Voronov, étudiant les styles de peinture populaire sur bois dans différentes régions de Russie, a qualifié Mezen de « mystérieux et curieux », soulignant ses liens avec les styles grecs anciens.
Les origines de ce type de peinture remontent au cours inférieur de la rivière Mezen, dans la région d'Arkhangelsk. Divers ustensiles ménagers en étaient peints - rouets, louches, boîtes, coffres, cercueils. À partir de la fin du XIXe siècle, le village de Palashchelye est devenu le centre de la peinture Mezen, c'est pourquoi la peinture sur bois Mezen est également connue sous le nom de « peinture Palashelye ».
Le domaine de la peinture Mezen est très étendu. En plus du bassin de Mezen avec Vashka, il comprend à l'ouest les régions de Pinega et le cours inférieur du nord de la Dvina jusqu'à la péninsule d'Onega, et à l'est - les bassins d'Izhma et de Pechora. Ici vous pouvez trouver des rouets avec des peintures Mezen non seulement de Palashchelye, mais aussi d'autres villages.
Le plus souvent, les peintures de Mezen représentaient des figures de cerfs, de chevaux et moins souvent de personnes, mais seule la silhouette d'une personne était peinte. Malgré le fait que tout dans ce tableau soit simple et concis, vous pouvez écrire un essai complet avec des dessins, transmettre une sorte de message avec des signes. Après tout, il existe de nombreux signes des éléments, des luminaires, de la terre, ainsi que de la protection et du réapprovisionnement de la famille. Connaissant leur décodage, vous pouvez lire chaque œuvre.
Autrefois, on peignait des rouets. Les rouets Mezen étaient vraiment uniques. Premièrement, si les rouets ordinaires se composaient de trois parties : un fond, une contremarche et une pale, alors à Mezen les rouets étaient fabriqués d'une seule pièce, pour lesquels ils sélectionnaient des arbres dont les racines pouvaient devenir le fond.
Et deuxièmement, les dessins eux-mêmes étaient uniques. Les scientifiques pensent que la partie avant du rouet, représentée de manière très stricte, est divisée en trois parties à l'aide de motifs géométriques : le ciel, la terre et le monde souterrain. Des oiseaux et la soi-disant « fenêtre » étaient représentés dans le ciel, à l'aide desquels on pouvait communiquer avec Dieu. Ensuite, des rangées après rangées de chevaux et de cerfs ou d'un arbre étaient représentées, souvent avec un oiseau assis au sommet de sa tête. Aux enfers, les cerfs et les chevaux étaient également peints, mais ombragés de peinture noire. Et au verso, l'artiste, en maintenant strictement les niveaux, pourrait faire des inscriptions, par exemple : « À qui j'aime, je donne ». Des rouets avec des messages similaires étaient offerts par un mari à sa femme pour un mariage ou pour la naissance d'un enfant. À propos, seuls les hommes s'adonnaient à la peinture, transmettant cet art de génération en génération.
Traditionnellement, les objets peints avec la peinture Mezen n'ont que deux couleurs : le rouge et le noir (suie et ocre, plus tard minium). La peinture a été appliquée sur du bois non apprêté avec un bâton en bois spécial (étau), une plume de grand tétras ou de tétras-lyre, ou une brosse à cheveux humains. Puis le produit a séché, ce qui lui a donné couleur dorée. À l'heure actuelle, en général, la technologie et la technique de la peinture Mezen ont été préservées, à l'exception du fait que les pinceaux ont commencé à être utilisés plus souvent. Une certaine différence interne entre la peinture Mezen moderne et l'ancienne se fait également sentir parce qu'au départ, la peinture était réalisée uniquement par des hommes, alors qu'à notre époque, elle est davantage réalisée par des femmes.
Aujourd'hui, la peinture Mezen est pratiquée dans presque toute la Russie et, dans certaines écoles, elle est incluse dans le programme des beaux-arts.
La peinture sur bois de Gorodets, un artisanat artistique traditionnel qui s'est développé au milieu du XIXe siècle dans les villages situés le long de la rivière Uzole, à proximité de Gorodets, dans la région de Nijni Novgorod.null
L'origine de la peinture provient de la production de rouets Gorodets, incrustés de chêne des tourbières et décorés de contours sculptés. Contrairement aux rouets très répandus, taillés dans un seul monolithe de bois, les rouets de Gorodets se composaient de deux parties : le fond et le peigne. Le fond était une large planche, se rétrécissant en une tête avec un « orteil » pyramidal, dans le trou duquel était insérée la tige du peigne. Lorsqu'ils ne travaillaient pas sur le rouet, le peigne était retiré du peigne et le fond était accroché au mur, devenant une sorte de panneau décoratif.
Au milieu du siècle dernier, les artisans ont commencé à faire revivre les fonds marquetés, d'abord uniquement en teintant le fond, puis en les sculptant, et enfin en introduisant des dessins d'intrigue colorés. Le premier fond similaire qui a survécu à ce jour a été réalisé par le maître Lazar Melnikov en 1859. Peu à peu, la peinture, technologiquement plus simple, a finalement remplacé la marqueterie, qui demandait beaucoup de travail. Les maîtres de Gorodets ont transféré dans la peinture non seulement les sujets précédemment utilisés en marqueterie, mais aussi une interprétation généralisée des images suggérées par les techniques de sculpture. La peinture utilisait des couleurs vives et riches de rouge, jaune, vert, noir, mélangées à de la colle à bois liquide. Au fil du temps, la gamme s'est élargie ; En plus des rouets traditionnels, les Donets ont commencé à fabriquer et à peindre des boîtes à pinceaux, des jouets en bois, des meubles et même des parties de la maison, des volets, des portes et des portails. En 1880, environ 70 personnes de sept villages voisins pratiquaient la pêche. Parmi les maîtres les plus anciens, qui sont devenus les fondateurs de la peinture de Gorodets, les noms des frères Melnikov et G. Polyakov ont été conservés, plus tard ils ont été rejoints par les peintres qui ont conservé les secrets du métier au début du 20e siècle I. A. Mazin, F. S. Krasnoyarov, T. Belyaev, I. A. Sundukov.
Peu à peu, des techniques originales de peinture de Gorodets se sont développées, qui dans leur nature en plusieurs étapes étaient proches de la peinture professionnelle. Dans un premier temps, le fond est peint, qui sert également d'apprêt. Sur la base du fond coloré, le maître réalise une « sous-couche », en appliquant les principales taches de couleur avec un gros pinceau, après quoi il modèle la forme avec des pinceaux plus fins à l'aide de traits. Le tableau est complété par un « live up » avec le blanc et le noir, combinant le dessin en un tout. L'intrigue terminée est généralement entourée d'un cadre ou d'un contour graphique. Dans la peinture de Gorodets, il y a de nombreux motifs ornementaux simples de roses, de bourgeons et d'herbes.
Avec le développement de l'artisanat, les sujets de la peinture, apparemment empruntés aux estampes populaires, se sont également considérablement enrichis. En plus des chevaux traditionnels, des goûters, des festivités, des scènes de la vie urbaine et des personnages sont apparus. contes populaires, scènes de bataille inspirées de la guerre russo-turque.
La pêcherie de Gorodets existait depuis une cinquantaine d'années. Son apogée se situe dans les années 1890, lorsque la production du Donets atteignait 4 000 par an, mais au début du 20e siècle, la pêcherie était tombée en déclin. Après la Première Guerre mondiale, la production de peintures a complètement cessé et même les peintres les plus célèbres ont été contraints de chercher d’autres revenus.
La renaissance de la peinture de Gorodets est associée au nom de l'artiste I. I. Oveshkov, venu de Zagorsk dans la région de Gorki en 1935. Grâce à ses efforts, un atelier public a été ouvert dans le village de Koskovo, réunissant d'anciens peintres. Oveshkov a non seulement pris la direction de l'atelier, mais a également organisé une formation professionnelle pour les artistes. Avec sa participation directe, l'élargissement de la gamme de produits peints commence : boîtes, armoires murales pour la vaisselle, chaises hautes et paravents. En 1937, les artisans de Gorodets ont participé à l'exposition « Art populaire », organisée à la Galerie Tretiakov à Moscou, où des produits modernes ont été présentés aux côtés du peuple du Don du XIXe siècle.
En 1951, l'artel de menuiserie et de meubles Stakhanovets a été ouvert dans le village de Kurtsevo, dirigé par le peintre héréditaire de Gorodets A.E. Konovalov. L'artel a commencé à fabriquer des meubles avec des motifs de peinture traditionnelle sur des armoires, des tables de chevet, des tabourets et des tables ; la gamme était en constante expansion. En 1960, l'artel est transformé en usine de peinture de Gorodets.
Actuellement, l'usine produit des jouets à bascule peints, des meubles pour enfants, des panneaux décoratifs, de la vaisselle et des ustensiles tournants. Bien que le but fonctionnel des produits Gorodets ait changé, les motifs et images traditionnels, les chevaux aux longues jambes, les cavaliers, les oiseaux magiques et les coupes de fleurs ont été préservés dans leur peinture.
Histoire de la balalaïka
Balalaika - instrument folklorique russe à trois cordes pincées instrument de musique, avec des corps triangulaires en bois. La balalaïka est devenue un symbole musical intégral de la Russie. L’histoire de l’origine de la balalaïka remonte à plusieurs siècles et n’est pas claire. Certains pensent que cet instrument a été inventé en Russie, tandis que d'autres historiens affirment que l'histoire de la balalaïka trouve son origine dans l'instrument populaire kirghize-kaisak - la dombra. En outre, le mot « balalaïka » lui-même suscite de nombreuses spéculations et controverses. L’hypothèse la plus fondamentale est que le mot « balalaïka » a la même racine que des mots tels que balacat, balabonit, balabolit, balagurit, qui signifie bavarder, anneau vide. Tous ces mots traduisent la singularité de cet instrument folklorique : léger, drôle, « grattant », pas très sérieux.
La plupart des historiens pensent que la balalaïka a été inventée vers 1715, mais il existe de nombreux documents historiques qui parlent de l'histoire antérieure de la création de la balalaïka. La première mention écrite de la balalaïka est contenue dans un document daté du 13 juin 1688 - « Mémoire du Streletsky Prikaz au Petit Prikaz russe », qui mentionne le paysan Ivashko Dmitriev jouant de la balalaïka. Le prochain document retraçant l'histoire de la balalaïka remonte à 1715. Il s'agit d'un « Registre » signé par Pierre Ier, datant de 1715 : à Saint-Pétersbourg, lors de la célébration du mariage clownesque du « prince-papa » N.M. Zolotov, en plus d'autres instruments portés par les momies, quatre balalaïkas ont été nommés.
Jusqu'à présent, la balalaïka a connu différentes périodes de son histoire. Maintenant cet instrument folklorique a été oublié, puis nouvelle force est devenu populaire dans tous les villages et villages. Pourquoi les Russes sont-ils si attirés par les sons de cet instrument ? Peut-être que ces sons joyeux, grattants, légers et drôles ont aidé nos ancêtres à oublier toutes les difficultés de la vie paysanne, ou peut-être que ces sons transmettaient toute l'essence de la vie en Russie et maintenant, après avoir entendu le son de la balalaïka, nous pouvons facilement regarder à l'histoire à travers les yeux de nos ancêtres. Qui sait quels hauts et quels bas attendent cet instrument folklorique russe unique, mais nous pouvons désormais affirmer avec certitude que la balalaïka est l'instrument folklorique russe le plus reconnaissable dans le monde.