La créativité est un processus de l'activité humaine dont le résultat est la création de nouvelles valeurs matérielles et spirituelles de qualité, caractérisées par l'unicité, l'originalité et l'originalité. Son origine remonte à l’Antiquité. Depuis lors, il existe un lien inextricable entre lui et le développement de la société. Le processus créatif implique de l’imagination et des compétences, qu’une personne acquiert en acquérant des connaissances et en les mettant en pratique.
La créativité est un état actif et une manifestation de la liberté humaine, le résultat de l'activité créatrice, c'est un don offert à une personne d'en haut. Il n’est pas nécessaire d’être grand et talentueux pour créer, créer de la beauté et donner aux gens de l’amour et de la gentillesse envers tout ce qui les entoure. Aujourd’hui, les activités créatives sont accessibles à tous, puisqu’il existe différents types d’arts, et chacun peut choisir une activité à son goût.
Qui est considéré comme une personne créative ?
Il ne s’agit pas seulement d’artistes, sculpteurs, acteurs, chanteurs et musiciens. Toute personne qui utilise des approches non standard dans son travail est créative. Même une femme au foyer peut être comme ça. L'essentiel est d'aimer son travail et d'y mettre son âme. Rassurez-vous : le résultat dépassera toutes vos attentes !
Créativité décorative
Il s'agit d'un type d'art plastique qui comprend le design décoratif de l'intérieur (décoration d'une pièce à l'aide de peintures sur chevalet) et de l'extérieur (à l'aide de vitraux et de mosaïques), l'art du design (à l'aide de graphiques et d'affiches industriels) et les arts appliqués.
Ces types de créativité offrent une occasion unique de se familiariser avec les traditions culturelles de leur peuple, de favoriser un sentiment de patriotisme et un grand respect pour le travail humain. Créer un produit créatif inculque l’amour de la beauté et développe les capacités et compétences techniques.
Créativité appliquée
Il s'agit d'un art décoratif populaire conçu pour décorer la vie et la vie quotidienne des gens en fonction de leurs besoins. En créant des objets d'une certaine forme et d'un certain but, une personne leur trouve toujours une utilité et essaie de préserver l'attrait et la beauté qu'elle voit. Les objets d’art se transmettent en héritage, des ancêtres aux descendants. Ils révèlent la sagesse populaire, le mode de vie et le caractère. Dans le processus de créativité, une personne met son âme, ses sentiments et ses idées sur la vie dans des œuvres d'art. C'est probablement pour cela que leur valeur éducative est si grande.
En effectuant des fouilles archéologiques, les scientifiques découvrent diverses choses et articles ménagers. Ils déterminent l'époque historique, les relations dans la société de cette époque lointaine, les conditions de l'environnement social et naturel, les capacités technologiques, la situation financière, les traditions et les croyances du peuple. Les types de créativité peuvent nous renseigner sur le genre de vie que mènent les gens, ce qu’ils font et ce qui les intéresse, comment ils se rapportent à tout ce qui les entoure. Les caractéristiques artistiques des œuvres d'art appliqué inculquent à une personne le respect de la culture et du patrimoine de la nation.
Arts décoratifs et appliqués. Types de techniques
Quels types de créativité appliquée existe-t-il ? Il y en a un très grand nombre ! Selon la méthode de fabrication d'un article particulier et le matériau utilisé, on distingue les techniques artisanales suivantes :
- Liés à l'utilisation du papier : pliage iris, ou pliage arc-en-ciel de papier, papier plastique, tubes ondulés, quilling, origami, papier mâché, scrapbooking, gaufrage, passepoil.
- Techniques de tissage : ganutel, perlage, macramé, tissage aux fuseaux, frivolité ou tissage de nœuds.
- Peinture : Zhostovo, Khokhloma, Gorodets, etc.
- Types de peinture : batik - peinture sur tissu ; vitrail - peinture sur verre; impression au tampon et à l'éponge; dessiner avec des empreintes de palmiers et de feuilles ; ornement - répétition et alternance d'éléments de motif.
- Créer des dessins et des images : souffler de la peinture à travers un tube ; guillochage - graver un motif sur du tissu ; mosaïque - créer une image à partir de petits éléments ; graphiques de fil - créer une image avec des fils sur une surface dure.
- Techniques de broderie sur tissu : point de croix simple et bulgare, point bourdon droit et oblique, tapisserie, broderie de tapis et de rubans, broderie d'or, cutwork, ajouré et bien d'autres.
- Couture sur tissu : patchwork, quilting, quilting ou patchwork ; artichaut, kanzashi et autres.
- Techniques de tricotage : fourchette ; sur des aiguilles à tricoter (simples européennes); Crochet tunisien; jacquard, filet, guipure.
- Types de créativité associés à la transformation du bois : brûlage, sciage, sculpture.
Comme vous pouvez le constater par vous-même, il existe un grand nombre de types différents de techniques artistiques et artisanales. Seuls quelques-uns d’entre eux sont répertoriés ici.
Art folklorique
Dans les œuvres d'art créées par le peuple, l'essentiel est sélectionné et soigneusement conservé ; il n'y a pas de place pour les choses inutiles. Les objets d'art populaire sont dotés des propriétés les plus expressives. Cet art incarne la simplicité et le goût. Par conséquent, il est devenu compréhensible, aimé et accessible aux gens.
Depuis l'Antiquité, les gens cherchent à décorer leurs maisons avec des objets d'art populaire. Après tout, ils conservent la chaleur des mains d'un artisan qui comprend la nature et sélectionne habilement les plus belles choses pour ses objets. Les créations ratées sont éliminées, seules les plus précieuses et les plus remarquables restent en vie.
Chaque époque a sa propre mode pour l’intérieur de la maison, qui est en constante évolution. Au fil du temps, les lignes strictes et les formes rectangulaires deviennent de plus en plus privilégiées. Mais aujourd'hui encore, les gens puisent leurs idées dans une réserve inestimable : les talents des gens.
Folklore
Il s'agit du folklore, qui se reflète dans l'activité créatrice artistique collective de l'homme ordinaire. Ses œuvres reflètent la vie, les idéaux et les visions du monde créées par le peuple. Ils existent alors parmi les masses.
Types d'art populaire :
- Les proverbes sont des mini-œuvres poétiques sous forme de courtes paroles rythmées. La base est la conclusion, l'enseignement et la morale généralisée.
- Les dictons sont des figures de style ou des phrases qui reflètent des phénomènes de la vie. Il y a souvent des notes humoristiques.
- Chansons folkloriques - elles n'ont pas d'auteur ou il est inconnu. Les paroles et la musique choisies pour eux se sont formées au cours du développement historique de la culture d'un groupe ethnique particulier.
- Les chatushki sont des chansons folkloriques russes en miniature, généralement sous forme de quatrains, au contenu humoristique.
- Énigmes - on les retrouve à n'importe quel stade de développement de la société chez tous les peuples. Dans les temps anciens, ils étaient considérés comme un test de sagesse.
- Pestushki - courtes mélodies de mères et de nounous sous forme poétique.
- Les comptines sont des chansons et des dictons qui accompagnent les jeux avec les mains et les pieds d’un enfant.
- Les blagues sont des nouvelles drôles sous forme poétique.
- Il est impossible d'imaginer des types d'art populaire sans chants, à l'aide desquels les gens, lors de la propagation du paganisme, se sont tournés vers divers phénomènes naturels, leur demandant protection, ou vers les animaux et les oiseaux.
- Les comptines sont de petites rimes rythmées. Avec leur aide, le leader du jeu est déterminé.
- Les virelangues sont des phrases construites sur une combinaison de sons qui les rendent difficiles à prononcer rapidement.
Créativité liée à la littérature
La créativité littéraire est représentée par trois types : épique, lyrique et dramatique. Ils ont été créés dans l’Antiquité, mais existent encore aujourd’hui, car ils déterminent les moyens de résoudre les problèmes posés à la littérature par la société humaine.
La base de l'épopée est la reproduction artistique du monde extérieur, lorsque le locuteur (l'auteur ou le narrateur lui-même) rapporte les événements et leurs détails comme quelque chose de passé et de souvenir, en recourant simultanément à des descriptions du cadre de l'action et de l'apparence de l'action. personnages, et parfois au raisonnement. Les paroles sont l’expression directe des sentiments et des pensées de l’écrivain. La méthode dramatique combine les deux premières, lorsque des personnages aux caractères très différents sont présentés dans une seule pièce avec une révélation lyrique directe de soi.
La créativité littéraire, représentée par l'épopée, le lyrisme et le drame, ouvre pleinement des possibilités illimitées pour une réflexion profonde sur la vie des gens et leur conscience. Chaque genre littéraire a ses propres formes :
- Épique - fable, poème, ballade, histoire, récit, roman, essai, mémoire artistique.
- Lyrique - ode, élégie, satire, épigramme.
- Dramatique - tragédie, comédie, drame, vaudeville, blague, scène.
De plus, les formes individuelles de tout type de poésie sont divisées en groupes ou types. Par exemple, le type d’œuvre littéraire est épique. La forme est un roman. Types : socio-psychologique, philosophique, familial, aventure, satirique, historique, science-fiction.
Art folklorique
Il s'agit d'un concept vaste qui inclut divers genres et types de créativité artistique. Ils s'appuient sur des traditions originales et des modes et formes uniques d'activité créatrice, associés au travail humain et se développant collectivement, sur la base de la continuité des traditions.
L'art populaire reflète le monde intérieur d'une personne, son apparence spirituelle et la mémoire vivante du peuple. Il y a plusieurs périodes dans son développement :
- Païen (jusqu'au 10ème siècle).
- Chrétien (X-XVII siècles).
- Histoire domestique (XVII-XIX siècles).
- XXe siècle.
L'art populaire a subi un long processus de développement, à la suite duquel les types de créativité artistique suivants ont émergé :
- Le folklore est la vision du monde et les croyances morales des gens, leurs points de vue sur l'homme, la nature et la société, qui s'expriment sous des formes verbales, poétiques, musicales, chorégraphiques et dramatiques.
- Les arts décoratifs et appliqués sont conçus pour satisfaire les besoins esthétiques et les besoins quotidiens d'une personne.
- La créativité amateur quotidienne est un phénomène artistique dans la vie festive et quotidienne d'une personne.
- L’art artistique amateur est une créativité organisée. Il se concentre sur l’enseignement des compétences artistiques aux gens.
Créativité associée à la technologie
L'activité de travail humain s'améliore constamment et acquiert un caractère créatif. De nombreuses personnes parviennent à s'élever au plus haut niveau dans leurs créations et inventions. Alors, qu’est-ce que la créativité technique ? Il s'agit d'une activité dont la tâche principale est de créer des solutions techniques qui seront nouvelles et auront une signification sociale non seulement dans leur propre pays, mais aussi au-delà de ses frontières, c'est-à-dire dans le monde entier. Autrement, on parle alors d’invention, ce qui équivaut à la notion de créativité technique. Et il est interconnecté avec les types scientifiques, artistiques et autres.
De grandes opportunités s'offrent à nos contemporains et toutes les conditions sont réunies pour faire ce qu'ils aiment. Il existe un grand nombre de clubs, palais, cercles et sociétés scientifiques spécialisés. Dans ces institutions, les adultes et les enfants s'adonnent à la modélisation d'avions et de navires, aux sports de moto, au karting, à la conception automobile, à la programmation, à l'informatique et à la technologie informatique. Des types de créativité tels que le développement de modèles de véhicules de sport : mini-voitures, automobiles, équipements pour pêcheurs, touristes et grimpeurs sont très populaires.
Le « je » tente d'adapter le « ça » aux exigences du « surmoi ». Dans cette situation, les mécanismes de défense aident le « je » à survivre :
· Élimination
· Sublimation (expression, transformation des pulsions en diverses formes d'activité créatrice)
· Symbolisation (remplacement de l'objet du désir par un symbole), etc.
Ce sont ces mécanismes de protection qui sous-tendent la créativité littéraire.
Tout au long de son œuvre, Freud appelle sublimation certaines activités suscitées par un désir qui n'est pas clairement orienté vers un but sexuel : il s'agit par exemple de la créativité artistique, de la recherche intellectuelle et, en général, d'activités à valeur sociale. Freud voyait la raison motivante de ce type de comportement dans la transformation des pulsions sexuelles : « La pulsion sexuelle fournit une énorme quantité d'énergie au travail culturel ; cela se produit en raison de sa capacité inhérente à modifier son objectif sans affaiblir sa pression. Cette capacité à changer le but sexuel initial en un autre, non sexuel, mais psychologiquement proche, s’appelle la sublimation.
Freud comprend la fonction principale de l’art d’une manière unique. Dans « L’avenir d’une illusion », il déclare : « L’art, comme nous l’avons vu depuis longtemps, procure un ersatz de satisfaction qui compense les interdits culturels les plus anciens, encore profondément ressentis, et se réconcilie ainsi, comme rien d’autre, avec les sacrifices qu’il a fait. De plus, les créations artistiques, donnant lieu à l'expérience commune de sensations très valorisées, évoquent des sentiments d'identification dont tout milieu culturel a un besoin si urgent ; Ils servent également une satisfaction narcissique lorsqu’ils décrivent les réalisations d’une culture donnée, leur rappelant de manière impressionnante ses idéaux. De cette description polyvalente, bien que loin d’être complète, des objectifs de l’art, la fonction « compensatoire » tombe le plus souvent dans le champ de vision des disciples de Freud. C’est-à-dire une compensation pour l’insatisfaction de l’artiste face à la situation réelle. Oui, non seulement l'artiste, mais aussi les personnes qui perçoivent l'art, car en se familiarisant avec la beauté des œuvres d'art, ils se retrouvent impliqués dans la satisfaction illusoire de leurs désirs inconscients, soigneusement cachés aux autres et à eux-mêmes. .
Une personne éprouve un véritable plaisir à percevoir des œuvres d'art, en particulier de la poésie, que la source de ce plaisir soit des impressions agréables ou désagréables.
Freud estime que le poète parvient à ce résultat en traduisant ses désirs inconscients en formes symboliques, qui ne provoquent plus l'indignation de la personnalité morale, comme cela pourrait être le cas avec une représentation ouverte de l'inconscient. Le poète adoucit la nature des désirs égoïstes et sexuels, les obscurcit et les présente sous forme de fantasmes poétiques, provoquant un plaisir esthétique chez les gens.
Dans la compréhension psychanalytique, le véritable plaisir d'une œuvre poétique est obtenu parce que l'âme de chaque personne contient des pulsions inconscientes similaires à celles caractéristiques du poète.
La créativité, selon Freud, est un processus pathogène fondé sur un mécanisme de défense. L'écrivain est un génie névrotique doté de capacités particulières de sublimation. Dans le domaine de la fiction, il trouve la satisfaction de pulsions qui ne peuvent être réalisées dans la vie réelle, et c'est ainsi qu'il évite la névrose.
L'artiste est une personnalité particulière, une sorte de sismographe de l'époque, dont la sensibilité lui fait ressentir plus intensément, plus subtilement les conflits culturels et le conduit souvent non seulement à s'évader dans l'alcoolisme, la névrose, mais même à la folie. Cependant, selon Freud, si une personne névrosée entre dans le monde irréel des fantasmes, des rêves et des manies, alors l'artiste, grâce à sa capacité de sublimation très développée, fait basculer l'énergie des pulsions inférieures vers l'activité artistique et établit un lien entre le le monde de ses désirs fantastiques et le monde réel. Ainsi, selon Freud, il évite la névrose et aide en outre ses spectateurs, lecteurs et auditeurs à se libérer de leurs tensions internes.
Être artiste signifie pour Freud la capacité, mieux que la plupart des autres, de reconnaître ses propres conflits, les faces cachées de l’âme, ses propres caractéristiques, forces et faiblesses. La créativité artistique demande donc une certaine persévérance et même du courage. Un artiste est une personne capable de surmonter l'automatisme d'une existence irréfléchie, de ressentir les maladies et les conflits émotionnels du temps plus intensément et plus tôt que les autres. De plus, l'artiste se caractérise non seulement par une plus grande force de pulsions, mais aussi par une plus grande réticence à renoncer à leur mise en œuvre. Pour Freud, être artiste signifie être un combattant pour le droit humain à la liberté, cela signifie lutter pour la guérison des âmes humaines.
Freud considère la créativité comme une continuation et un remplacement du vieux jeu d'enfant, dans lequel le poète crée un monde qu'il prend très au sérieux, en y apportant beaucoup d'enthousiasme, tout en le séparant nettement de la réalité. En même temps, ce n'est pas une personne heureuse qui crée, mais seulement une personne insatisfaite. Car pour qu'une image se développe dans l'âme d'un écrivain ou d'un poète, il faut qu'il soit submergé par des sentiments forts provoqués par l'action de conflits internes non résolus, auxquels il a besoin de réagir pour s'en libérer, car si l'écrivain l'inconscient n'a pas trouvé sa réalisation dans la fantaisie artistique, alors l'énergie de l'inconscient serait gaspillée et créerait une névrose.
Un poète (écrivain) peut résoudre ses conflits à l'aide des images qu'il crée, conférant (par projection et extériorisation) à ses personnages des traits contradictoires de sa personnalité. Plus l'élaboration des personnages des personnages est profonde, plus le poète (écrivain) a de chances de se libérer des conflits et d'acquérir une attitude plus mature envers la vie. Avec moins de profondeur de traitement de l’image, une catharsis et une libération temporaire des conflits ont lieu, et avec encore moins de conscience, un soulagement temporaire survient simplement en mettant en scène ses émotions. Étant donné que les conflits profonds de la personnalité du poète (écrivain) ne sont pas résolus de manière suffisamment approfondie et complète dans ce dernier cas, chaque nouvelle expérience de vie peut à nouveau se transformer en une expérience pathogène et, pour un rétablissement temporaire, le poète (écrivain) a à nouveau besoin d'une expérience artistique. la créativité.
On peut supposer que le Soi, ayant acquis une cohérence interne et une flexibilité plus élevées dans le processus de créativité artistique, est capable de faire face aux conflits sans thérapie analytique supplémentaire.
Méthodologie- décrypter le contenu de l'œuvre que l'auteur a exprimé inconsciemment. Cet objectif est atteint grâce à la restauration de la biographie secrète de l’auteur, cachée même à lui-même.
La forme artistique agit comme un symbole substitut au désir refoulé.
« Le but d'une forme artistique est un compromis et une tentative de tromper la structure répressive de la conscience » / L.S. Vygotsky « Psychologie de l'art »/
Le vrai plaisir, du point de vue de la psychanalyse, réside précisément dans l’élimination de ses désirs refoulés, et non dans la perception d’une forme artistique.
La forme d’art devient un appendice.
La psychanalyse concentre précisément notre attention sur le « je » parlant. Et alors la parole est perçue comme un espace discursif de dialogue entre au moins deux « je ». (Par exemple, l'auteur et son inconscient, l'auteur et l'Autre.) La psychanalyse a découvert le principe du caractère dialogique de la parole.
Il est difficile de résoudre du point de vue de la psychanalyse la question de l’essence, de l’existence de l’art. En quoi l’art, par exemple, diffère-t-il de la religion ? Il est impossible d'expliquer les spécificités de l'art par les moyens de la psychanalyse.
C'est une chose de révéler le mécanisme de l'inconscient dans la créativité, et une autre de réduire toute créativité à ce mécanisme.
· Un langage a été créé pour décrire l'inconscient capturé dans l'œuvre
· Une nouvelle stratégie d'interprétation a été créée
· Déterminisme biologique rigide, réduction de la créativité à la satisfaction fantasmatique de diverses pulsions (grand danger de fausses interprétations subjectives)
· Ignorer la nature esthétique de l'œuvre, l'originalité artistique (Freud lui-même l'a très bien compris et a déclaré qu'il ne s'y engageait pas consciemment, s'intéressant uniquement au reflet du psychisme de l'auteur dans l'œuvre).
La créativité est l’une des différentes formes d’activité humaine visant à créer quelque chose de nouveau qui n’existait pas auparavant. Même les philosophes de l’Antiquité ont tenté de percer les mystères de la créativité.
Ainsi, Platon disait que le travail de l’artiste est guidé par la force divine appelée éros. Aristote croyait que la base de la créativité artistique réside dans la mimesis en tant que processus d'imitation de la nature dans son activité. Théophraste (372 287 av. J.-C.) fut l’un de ceux qui, les premiers, remarquèrent les fondements psychologiques de la créativité. Au Moyen Âge, ce processus était considéré comme une manifestation de la divinité et du désir d’une incarnation matérielle à travers l’homme. La créativité artistique présentait un intérêt particulier pour les personnages de la Renaissance, qui la considéraient comme un don inné spécial accordé à une personne spécifique par Dieu. Le siècle des Lumières a fait comprendre l'importance sociale de l'activité artistique et la possibilité de la considérer comme un moyen d'influence et d'éducation esthétique d'une personne. La philosophie classique allemande a exploré les problèmes de la créativité artistique dans le contexte des problèmes généraux de l'existence et des lois de la formation du monde. Le XIXe siècle a apporté l’idée de la pathologie de la créativité. Le psychiatre italien C. Lombroso a exprimé l'idée que le génie et la folie sont liés. Cette idée a été développée au 19ème siècle. Le psychiatre et psychologue autrichien Z. Freud, qui considérait la créativité comme une manifestation douloureuse de l'inconscient violé. KG. Jung a introduit deux types de personnalité, les liant à différentes capacités de créativité : névrotique et schizophrène. En Russie, il existait deux concepts pour comprendre la nature de la créativité : le lien entre la créativité et le folklore dans le contexte des fonctions sociales et éducatives de l'art, et le concept religieux-mystique de l'orientation de la créativité artistique (V. Solovyov). Dans la science moderne, les questions de créativité artistique sont traitées par la psychologie de l'art, la critique d'art et l'esthétique. L’arrivée d’approches synergiques dans les sciences humaines a fait émerger une nouvelle compréhension de la créativité. La synergie (du grec synergetikos - action commune) considère la créativité du point de vue de l'auto-organisation et de l'ouverture, c'est-à-dire comme un processus. La condition et la possibilité de tout néoplasme sont sa complexité. Une compréhension synergique de la complexité nous permet de relier la complexité d'un système à son activité. Un tel système est capable de percevoir des variations externes ou internes auxquelles un système simple ne répond pas. La créativité artistique peut être considérée comme un processus d’auto-organisation dans lequel une œuvre d’art devient non seulement un résultat, mais un signe d’établissement d’un équilibre. Le phénomène de synchronisation est d'une grande importance dans un système en auto-développement. Des exemples de ceci incluent applaudir des mains, piétiner en dansant et bouger au pas. La synchronisation dans l'art se manifeste également par l'empathie entre le spectateur, l'auteur et l'interprète. L’art ne peut se développer sans innovation.
Grâce à la créativité, l’innovation s’accumule sous la forme d’une manifestation du principe de réflexion avancée. Lorsqu’ils disent que l’art a pour fonction d’anticiper les événements de la société, il s’agit précisément du principe d’anticipation. Souvent, un artiste crée une œuvre qui choque puis surprend avec une vision d'un événement futur. La créativité est associée à des concepts tels que « capacité », « talent » et « génie ». La capacité esthétique est un ensemble de caractéristiques psychologiques individuelles d'une personne, grâce auxquelles s'ouvre la possibilité d'exercer des activités esthétiques, c'est-à-dire percevoir et expérimenter esthétiquement les phénomènes de la réalité et de l'art, les évaluer et, en les corrélant avec l'idéal, créer des valeurs esthétiques nouvelles et différentes (dans le travail, le comportement, la science et la technologie). Une manifestation unique de la capacité esthétique est la capacité artistique - la capacité non seulement de percevoir, d'expérimenter et d'évaluer esthétiquement une œuvre d'art, mais également de créer des valeurs artistiques. Contrairement à la capacité artistique esthétique, la capacité artistique est un talent particulier, exprimé dans une propension à la créativité artistique, la nécessité et la possibilité de sa mise en œuvre, ainsi que la facilité de maîtriser les compétences d'activité créatrice dans un certain type d'art (littérature , musique, sculpture, etc.). La capacité artistique, comme la capacité esthétique, peut être développée à des degrés divers, et cela dépend de nombreuses raisons de nature publique (sociale) et personnelle (individuelle). Le talent est un talent créatif en art. Elle suppose la présence de certaines capacités spirituelles : une oreille réceptive à la musique pour un pianiste, un sens aigu de la couleur pour un peintre, etc. Le talent artistique s'exprime dans l'intuition esthétique, le pouvoir de la pensée artistique, l'imagination active, l'observation et une richesse d'émotions. Le talent doit être constamment amélioré. Le génie est le plus haut degré de douance créatrice (talent) en art. Le but du génie est de créer un nouveau monde de pensée et de forme. En règle générale, un génie est en avance sur son époque, mais en même temps, ses œuvres sont compréhensibles et proches de millions de personnes à différentes époques historiques. Un génie se caractérise par des capacités naturelles de créativité artistique, une intuition et une imagination inhabituellement développées. En règle générale, cela représente à la fois beaucoup de travail et un dévouement total. L’inspiration est l’expression de l’état le plus élevé, le plus intense et le plus productif de tous les pouvoirs spirituels et physiques d’une personne. Dans de tels moments, l'artiste se déconnecte du monde extérieur et se concentre entièrement sur son travail. Une personne qui a fait l’expérience de l’inspiration éprouve souvent un sentiment de fatigue extrême, voire de vide, mais en même temps un sentiment de profonde satisfaction et de joie spirituelle. Au moment de l'inspiration, l'artiste est à la merci de l'intuition. Il crée sans se contrôler, sans corriger, sans analyser le poème ou le tableau qu'il crée. Le processus de création s’accompagne parfois de visions et de sensations étranges. Ce genre de phénomène a été décrit dans les années 20. XXe siècle dans le livre de S.O. Gruzenberg « Psychologie de la créativité ». Ainsi, Michel-Ange a vu un jour un mystérieux signe triangulaire à trois rayons, qu'il a immédiatement commencé à dessiner ; quand il eut fini, le panneau disparut. Sous les yeux de I. Kramskoy, alors qu'il travaillait sur le tableau "Le Christ dans le désert", un personnage assis en pleine réflexion est soudainement apparu - c'est ainsi que l'image qui a excité son imagination a "pris vie". Les visions ont été visitées par : A. Dante, E. Hoffmann, R. Schumann, G. de Maupassant, F. Dostoïevski, R. Wagner. La fantaisie créative (artistique) (du grec phantasia - fruit de l'imagination) est l'élément le plus important de la créativité artistique, exprimée dans une certaine séparation de la réalité. La forme du fantasme est un rêve. Une envolée de fantaisie peut être esthétiquement productive lorsqu’elle sert non seulement à l’expression personnelle de l’artiste, mais également à la création d’une image artistiquement expressive. L'imagination artistique est la capacité de la conscience à synthétiser (généraliser) et à transformer de manière créative les perceptions et les idées. 11.1.
Il est bien entendu impossible de comprendre la nature des capacités créatrices sans comprendre l’essence de la créativité. Considérons le point de vue de G.S. Batishchev sur la nature de la relation entre la créativité et l'activité, estimant qu'il s'agit de formes fondamentalement opposées de l'activité humaine.
Parmi les chercheurs modernes, l'auteur du système d'idées le plus complet sur la nature de la créativité est V.M. Wilczek, qui soutient que la nature de la créativité est basée sur la nature de l'homme en tant qu'espèce qui a perdu son programme d'activité instinctif à la suite d'une mutation. Par exemple, Yakovlev note à cet égard que « dans la vie des animaux, l'odorat est d'une grande importance ; les odeurs sont un puissant informateur biologique qui détermine en grande partie le comportement d’un animal. Il est intéressant de noter que les émotions esthétiques primaires d'une personne sont associées aux odeurs, aux sensations olfactives. Ainsi, les anciens Juifs affirmaient que la nature est principalement caractérisée par un système d’odeurs, car « Dieu a créé le monde odorant ». Dans l’ancienne religion juive et dans la vie quotidienne, il existait de nombreux rituels et principes basés sur l’esthétique des odeurs. Dans la culture et l'esthétique de l'Orient, il existe un culte des odeurs aromatiques. Ici, la signification esthétique de l'existence est largement révélée à travers le grand nombre de nuances du monde parfumé. Caractéristiques du processus d'aliénation de l'homme de la nature et du monde animal. De nombreux chercheurs voient dans l'aliénation primaire du créateur du monde la cause de la créativité fantasmatique, mentale puis pratique - l'incarnation des rêves dans la réalité (par exemple, la mythologie de la culture artistique ou le « complexe d'infériorité » d'A. Adler). Le critique littéraire Jan Parandovsky estime que la base de la créativité est la libération de la souffrance et des pensées douloureuses. Ainsi, il s’avère que la créativité est un moyen de surmonter l’inadaptation initiale. V.M. Wilczek estime que le remplacement du programme instinctif d'espèce, qui aide les animaux à s'adapter au monde, chez l'homme est devenu la capacité d'imiter un « modèle » (d'où, par exemple, le totem). La recherche d'un modèle a donné naissance à la créativité comme activité spécifique pour surmonter l'aliénation initiale. Le processus créatif est une réalité qui surgit et se termine spontanément.
Les attitudes envers la créativité différaient selon les époques. Dans la Rome antique, seuls le matériel et le travail du relieur étaient valorisés dans un livre, et l'auteur n'avait aucun droit - ni le plagiat ni les contrefaçons n'étaient poursuivis. Au Moyen Âge, un créateur était assimilé à un artisan, et s’il osait faire preuve d’indépendance, il devait gagner sa vie autrement. Par exemple, le célèbre Molière était tapissier de cour. Seulement au 19ème siècle. les artistes, écrivains, etc. ont eu la possibilité de vivre de la vente de leur produit créatif. COMME. Pouchkine a écrit à ce sujet : « L'inspiration n'est pas à vendre, mais vous pouvez vendre un manuscrit. » Au 20ème siècle la valeur réelle de tout produit créatif n'était pas déterminée par sa contribution au « trésor de la culture mondiale », mais par la mesure dans laquelle il pouvait servir de matériau de réplication (reproduction). Si Pouchkine et Byron ont réussi à échanger leurs créations, Hugo était même millionnaire, alors Flaubert et Van Gogh n'ont pas gagné d'argent avec leurs œuvres. Et Flaubert a même payé à ses frais plusieurs de ses publications. Ainsi, l'essentiel de la créativité n'est pas l'activité externe, mais l'activité interne - l'acte de créer un « idéal », une image du monde, où est résolu le problème de l'aliénation entre l'homme et l'environnement.
Les pionniers de la psychologie émergente de la créativité en Russie n'étaient pas des psychologues, mais des théoriciens de la littérature, de la littérature et de l'art. La condition préalable au développement de cette direction était les travaux philosophiques et linguistiques des A.A. Potebni. Potebnya considérait le principe sémantique comme la principale approche pour considérer les catégories grammaticales et étudiait la forme grammaticale principalement comme sens. En termes de développement des principes de la psychologie de la créativité artistique, les potebnistes les plus célèbres sont D.N. Ovsyaniko-Kulikovsky, B.A. Lezin et d’autres. Ils ont interprété la créativité artistique selon le principe de « l’économie de la pensée ». L'inconscient, selon eux, est un moyen de pensée qui économise et accumule des forces. L'attention, en tant que moment de conscience, dépense le plus d'énergie mentale. La pensée grammaticale, réalisée inconsciemment dans la langue maternelle, sans gaspiller d'énergie, permet de dépenser cette énergie sur l'aspect sémantique de la pensée et donne naissance à une pensée logique - le mot se transforme en concept. En d’autres termes, la langue dépense beaucoup moins d’énergie qu’elle n’en économise ; et cette énergie économisée est consacrée à la créativité artistique et scientifique. Lezin le Potebniste cite, selon lui, les qualités importantes d'un individu qui lui permettent de devenir un sujet créatif. Les principales qualités d'un créateur selon eux : une capacité prononcée de fantaisie, d'invention ; observation exceptionnelle et involontaire; écart par rapport au modèle, originalité, subjectivité ; l'étendue des connaissances et des observations; le don d'intuition, de prémonition, de prédiction. Selon Lezin, on ne peut juger des qualités de la personnalité d'un créateur que par l'introspection. Il distingue les étapes suivantes du processus créatif :
- Travail (Lezin ne partage pas le point de vue de Goethe et Belinsky, qui minimisent le rôle du travail par rapport à l'intuition).
- Un travail inconscient qui, selon lui, se résume à une sélection. Cette étape est méconnaissable.
- Inspiration. Ce n'est rien d'autre que le « transfert » d'une conclusion toute faite de l'inconscient vers la sphère de la conscience.
La créativité humaine est une continuation de la créativité de la nature. La créativité est la vie et la vie est la créativité. La créativité d'un individu est déterminée par le niveau de développement de la société. Là où il y a des conjectures, il y a de la créativité. Il convient de noter le livre de M.A. Bloch « La créativité en science et technologie », qui propose les étapes suivantes du processus créatif : l'émergence d'une idée ; preuve; mise en œuvre. Selon lui, seul le premier acte est psychologique ; il est inconnaissable. L'essentiel ici est l'introspection d'un génie. La principale caractéristique d’un génie est une imagination puissante. La deuxième circonstance de la créativité est le rôle du hasard. Observation - une considération globale du fait - la nécessité de ce qui manque. Le génie n'est pas déterminé biologiquement et n'est pas créé par l'éducation et la formation ; des génies naissent. Un génie n'est pas tant séduit par le résultat que par le processus lui-même. L'âge optimal pour la créativité est de 25 ans. Le génie, selon Bloch, est inhérent à chacun, mais à des degrés divers. Alors ce degré est encore déterminé par la génétique, donc biologique. En 1923-1924, il publie ses ouvrages (« Psychologie de la créativité » et « Génie et créativité ») O.S. Gruzenberg. Il distingue trois types de créativité :
- Type philosophique: l'épistémologique est la connaissance du monde en cours d'intuition (Platon, Schopenhauer, Maine de Biran, Bergson, Lossky) ; métaphysique - révélation de l'essence métaphysique dans l'intuition religieuse et éthique (Xénophane, Socrate, Plotin, Augustin, Thomas d'Aquin, Schelling, Vl. Soloviev).
- Type psychologique. Une de ses variétés : un rapprochement avec les sciences naturelles, associé à la prise en compte de l'imagination créatrice, de la pensée intuitive, de l'extase et de l'inspiration créatrices, de l'objectivation des images, de la créativité des peuples primitifs, des foules, des enfants, de la créativité des inventeurs (eurologie), de la créativité inconsciente ( dans les rêves, etc. ). Une autre variété est une branche de la psychopathologie (Lombroso, Perti, Nordau, Barin, Toulouse, Pere, Mobius, Bekhterev, Kovalevsky, Chizh) : génie et folie ; l'influence de l'hérédité, de l'alcoolisme, du sexe ; le rôle de la superstition, les traits des fous et des médiums.
- Type intuitif avec des variétés esthétiques et historico-littéraires. a) esthétique - révéler l'essence métaphysique du monde dans le processus d'intuition artistique (Platon, Schiller, Schelling, Schopenhauer, Nietzsche, Bergson). Les questions suivantes leur tiennent à cœur : l'origine des images artistiques ; origine et structure des œuvres d'art ; perception de l'auditeur, du spectateur ; b) la deuxième variété - historique et littéraire (Dilthey, Potebnya, Veselovsky, Ovsyaniko-Kulikovsky) : poésie populaire, mythes et contes de fées, rythme dans la poésie, improvisations littéraires, psychologie du lecteur et du spectateur. La créativité de l'artiste n'est pas le produit de l'arbitraire, mais une activité naturelle de son esprit. Par conséquent, la science de la créativité est la science des lois de la nature créatrice de l'homme et de son imagination. Il est impossible de reproduire le processus créatif dans l'expérience, de provoquer l'inspiration arbitrairement.
Soulignant les signes de l'acte créateur, presque tous les chercheurs et les créateurs eux-mêmes ont souligné son inconscience, sa spontanéité, son incontrôlabilité par la volonté et l'esprit, ainsi que les changements dans l'état de conscience. Par exemple, le chercheur M. Arnaudov note que tous les poètes et artistes ont souligné l'activité inconsciente de l'esprit dans le processus créatif. On peut citer des déclarations typiques à ce sujet. V. Hugo : « Dieu a dicté et j'ai écrit. » Michel-Ange : « Si mon lourd marteau donne tantôt une forme, tantôt une autre aux roches solides, il est mû par la main qui le tient, le guide et le guide : il agit sous la pression d'une force étrangère. » Au moment de la créativité, activité involontaire du psychisme, une personne n'est pas capable de contrôler le flux d'images, de reproduire volontairement des images et des expériences. Ainsi, les problèmes de recherche des prérequis physiologiques à l'activité esthétique ont été abordés par L.E. Obolenski, V.F. Velyamovich, S.O. Gruzenberg, V.M. Bekhterev. Ainsi, V.F. Velyamovich, L.E. Obolensky a démontré que le « sens de la beauté » est directement et indirectement lié à la « physiologie de l'utilité » de l'objet perçu. Un petit ouvrage de V.M. Bekhterev présente un intérêt scientifique bien connu. « La créativité du point de vue de la réflexologie » (en annexe du livre de Gruzenberg « Génie et créativité »). Pour Bekhterev, la créativité est une réaction à un stimulus, la résolution de cette réaction, la libération des tensions générées par ce stimulus. Actions du stimulus :
- le stimulus excite le réflexe de concentration ;
- cela donne naissance à un réflexe facial-somatique ;
- augmente le niveau d'énergie associé à l'action des vasomoteurs et des hormones endocriniennes qui stimulent l'activité cérébrale.
La concentration, avec le réflexe facial-somatique, forme une activité cérébrale dominante, qui attire les excitations de toutes les autres zones du cerveau. Autour du dominant, en reproduisant l'expérience passée, se concentre tout le matériel de réserve, lié d'une manière ou d'une autre au stimulus - le problème. Dans le même temps, tous les autres processus de l'activité cérébrale qui ne sont pas directement liés au problème du stimulus sont inhibés. Le matériel est sélectionné, analysé, synthétisé.
Pour toute créativité, selon Bekhterev, l'un ou l'autre degré de douance et une éducation appropriée sont nécessaires, ce qui crée des compétences professionnelles. Cette éducation développe une tendance à identifier les talents naturels, ce qui finit par susciter un désir de créativité presque irrésistible. La détermination immédiate de ses tâches est l'environnement sous la forme d'une nature, d'une culture matérielle et d'une situation sociale (cette dernière en particulier) données. Une I.P. Pavlov, au cours de ses études sur l'activité nerveuse supérieure, est arrivé à la conclusion que les gens peuvent être divisés en artistes et penseurs. Il a écrit : « La vie désigne clairement deux catégories : les artistes et les penseurs. Il existe une nette différence entre eux. Certains sont des artistes de toutes sortes : écrivains, musiciens, peintres, etc., captent la réalité entière, complètement, complètement, vivante, sans aucune fragmentation, sans aucune séparation. D’autres, penseurs, l’écrasent et ainsi, pour ainsi dire, le tuent, en faisant une sorte de squelette temporaire, puis, pour ainsi dire, en réassemblent les parties.
L’artiste est donc impuissant à combler les lacunes de l’imagination créatrice. Les images surgissent et disparaissent spontanément, aux prises avec l’intention première de l’artiste (le plan rationnellement créé de l’œuvre), à savoir la conscience devient un écran passif sur lequel l'inconscient humain se reflète. Le créateur éprouve toujours de la confusion lorsqu'il tente d'expliquer la raison, la source de son fantasme.
DONC. Gruzenberg identifie plusieurs options sur la façon dont les artistes expliquent l'obsession créative : versions « divines » et « démoniaques » de l'attribution de la cause de la créativité. Les artistes et les écrivains ont accepté ces versions en fonction de leur vision du monde. Si Byron croyait qu'un « démon » possédait une personne, alors Michel-Ange croyait que Dieu lui dirigeait la main : « Une bonne image s'approche de Dieu et se confond avec lui. » Il existe même une tendance à renoncer à la paternité. « Comme ce n'est pas moi qui ai écrit, mais Dieu, le diable, la « voix intérieure » (chez P.I. Tchaïkovski), le créateur se reconnaît, comme Mozart par exemple, comme l'instrument d'une force extérieure : « Je n'ai rien à faire avec. »
Il est intéressant de noter que les versions de la source non personnelle de l’acte créateur traversent les époques et les cultures. I. Brodsky : « Le poète, je le répète, est le moyen d'existence du langage. » Cependant, celui qui écrit le poème ne l'écrit pas parce qu'il s'attend à une renommée posthume, même s'il espère souvent que le poème lui survivra, ne serait-ce que pour une courte période. Une personne qui écrit un poème l’écrit parce que sa langue le lui dit ou lui dicte simplement le vers suivant. Une personne qui écrit un poème écrit avant tout parce que la versification est un accélérateur colossal de la conscience, de la pensée et de la vision du monde. Ayant vécu cet état, une personne n'est plus en mesure de refuser de répéter cette expérience, elle devient dépendante de ce processus. Pendant ce temps, Y. Parandovsky, s'appuyant sur de nombreux cas, écrit : « Il y a des écrivains pour lesquels un livre publié semble cesser d'exister. Par exemple, Kafka a ordonné de brûler ses manuscrits, Kipling a jeté une de ses œuvres à la poubelle.
Étant donné que l'activité de l'inconscient dans le processus créatif est associée à un état de conscience particulier, l'acte créateur est souvent réalisé dans un rêve, en état d'ivresse et sous anesthésie. Afin de reproduire cet état par des moyens externes, de nombreux individus créatifs ont eu recours à une stimulation artificielle. Par exemple:
- Rolland écrivait Cola Breugnon et buvait du vin ;
- Schiller gardait les pieds dans l'eau froide, aimait l'odeur des pommes fanées qu'il gardait sur sa table ;
- Byron a pris du laudanum ;
- Prus sentait un parfum fort ;
- Rousseau se tenait au soleil, la tête découverte ;
- Pouchkine aimait écrire principalement allongé sur un canapé ou un canapé ;
- Balzac, Bach, Schiller étaient des amateurs de café.
L’histoire de la culture rock est entièrement liée aux drogues psychotropes. Il existe un autre point de vue, selon lequel le besoin de créativité surgit lorsqu'elle est indésirable ou impossible : la conscience, pour ainsi dire, provoque l'activité de l'inconscient. L'acte créatif s'accompagne d'excitation et de tension nerveuse. Tout ce qui reste à l'esprit est de traiter, de donner forme aux produits de la créativité, de se débarrasser des choses et des détails inutiles. Cependant, ce que l'artiste éprouve dans le processus de créativité n'est ni de l'excitation ni de la peur - c'est joie. Au moment de la créativité, l'artiste ne se sent ni calme ni satisfait (cela peut arriver plus tard dans la soirée lorsqu'il boit un verre de whisky ou fume la pipe). Ici, la joie peut être définie comme une émotion qui surgit à un moment de conscience « élevée », comme une attitude qui accompagne la confiance dans la réalisation de ses propres capacités. Cette intensité d’expérience ne doit pas nécessairement être associée à un objectif ou à un désir conscient. Cela peut apparaître lors d’un moment de rêverie, dans un rêve ou au niveau de ce qu’on appelle l’inconscient.
Le mystère de la créativité, comme le mystère du libre arbitre, est un problème transcendantal qui ne peut être résolu, mais qui peut seulement être décrit. Une personnalité créative est aussi un puzzle que l’on peut tourner dans différentes directions, mais à chaque fois en vain. Néanmoins, les psychologues modernes n'ont pas abandonné l'étude du problème de l'artiste et de son art.
Chaque personnalité créatrice représente la dualité ou une synthèse de qualités contradictoires. D'une part, il s'agit toujours d'une personne, avec sa propre vie personnelle, et d'autre part, d'un processus créatif impersonnel. En tant que personne, une telle personnalité peut avoir un caractère joyeux ou sombre, et sa psychologie peut et doit être expliquée en catégories de personnalité. Mais on ne peut la comprendre en tant qu'artiste qu'en fonction de sa réussite créative. Nous commettons une grave erreur si nous réduisons le style de vie d'un gentleman anglais, d'un officier prussien ou d'un cardinal à des facteurs personnels. Le gentleman, l’officier et le cardinal sont des masques impersonnels, et chacun de ces rôles a sa propre psychologie objective. Si l’artiste s’oppose aux masques sociaux, il existe néanmoins ici une parenté cachée, puisque la psychologie spécifiquement artistique est plus d’un caractère collectif que personnel. L'art est une sorte de système inné qui prend possession de l'individu et en fait son instrument. L'artiste n'est pas une personne de bonne volonté qui poursuit ses propres objectifs, mais une personne qui permet à l'art de réaliser ses objectifs à travers lui-même. En tant qu'être humain, il peut avoir ses propres intentions, sa volonté et ses objectifs personnels, mais en tant qu'artiste, il est un « homme » dans un sens plus élevé - il est un « homme collectif », le moteur et le forgeron de la vie psychique inconsciente. de l'humanité. C'est son masque social et il est parfois si lourd que l'artiste est contraint de sacrifier son bonheur et tout ce qui fait le sens de la vie des gens ordinaires. Comme le disait G.A. Carus : « Étranges sont les façons dont un génie se déclare, puisque ce qui le distingue si excellemment, au détriment de la liberté de vie et de la clarté de la pensée, est imprégné par la domination de l'inconscient, sa divinité mystique intérieure, les idées flottent dans ses mains - et il ne sait où ; il est obligé de travailler et de créer - et il ne sait pas quel sera le résultat ; il doit constamment grandir et se développer - et il ne sait pas dans quelle direction.
L'étude des artistes démontre systématiquement non seulement la force de l'impulsion créatrice venant de l'inconscient, mais aussi son caractère capricieux et volontaire. Une œuvre à naître dans le psychisme de l’artiste est une force naturelle qui trouve une issue à la fois grâce au pouvoir tyrannique et à l’étonnante ingéniosité de la nature, complètement indifférente au sort de l’homme, qui n’en est qu’un moyen. Le besoin de créer vit et grandit en lui, comme un arbre qui pousse de la terre et se nourrit de sa sève. Nous ne nous tromperons peut-être pas si nous considérons le processus créatif comme un être vivant implanté dans le psychisme humain. Dans le langage de la psychologie analytique, cet être vivant est complexe autonome. Il s’agit d’une pièce détachée de la psyché qui vit sa propre vie en dehors de la hiérarchie de la conscience.
Ainsi, C. Jung a comparé les archétypes au système des axes cristallins. Il forme un cristal en solution, agissant comme un champ qui distribue les particules de la substance. Dans la psyché, les « choses » sont des expériences externes et internes organisées selon ces formes innées. Étant « irreprésentable », l’archétype dans sa forme pure n’entre pas dans la conscience. Soumise à un traitement conscient, elle se transforme en une « image archétypale », qui se rapproche le plus de l’archétype dans l’expérience des rêves, des hallucinations et des visions mystiques. Dans les mythes , Dans les contes de fées, les religions, les enseignements secrets, les œuvres d'art, confuses, perçues comme quelque chose d'étranger, de terrible, les images se transforment en symboles. Ils deviennent de plus en plus beaux dans leur forme et universels dans leur contenu.
« L’influence d’un archétype, qu’elle prenne la forme d’une expérience directe ou qu’elle s’exprime par des mots, est puissante car elle s’exprime d’une voix plus puissante que la nôtre. Celui qui parle de manière primitive parle à mille voix ; il enchante et asservit, et en même temps véhicule une idée qui, à travers le particulier, nous envoie dans le royaume de l'irréalisé. Il transmue notre destin personnel en destin de l’humanité et réveille en nous les forces bienfaisantes qui ont toujours aidé l’humanité à échapper à tout danger et à survivre à la nuit la plus longue. C'est le secret du grand art et de son impact sur nous. Le processus créatif, autant que nous puissions le retracer, consiste en l'activation inconsciente d'une image archétypale, puis en son traitement ultérieur et sa conception en une œuvre finie. L'insatisfaction de l'artiste le ramène à cette image primitive de l'inconscient qui peut le mieux compenser l'incongruité et l'unilatéralité du présent. S'étant emparé de cette image, l'artiste la fait remonter des profondeurs de l'inconscient pour la mettre en conformité avec les valeurs conscientes, et la transforme pour qu'elle puisse être perçue par l'esprit de ses contemporains selon leurs capacités.
Le véritable art s’est toujours tourné vers ces symboles pour transmettre les pensées et les sentiments les plus profonds et les plus universels. Mais l'art, dans une certaine mesure, est secondaire - le moyen le plus important de traiter symboliquement les archétypes, existant depuis l'émergence de l'homme, était la mythologie. L’art véritable ne fait que redécouvrir ces symboles et propose une « renaissance autochtone des motifs mythologiques ». Par exemple, si Z. Freud interprétait le célèbre tableau de Léonard de Vinci, qui représente la Vierge Marie, Sainte Anne et l'enfant Jésus, sur la base du fait de la vie personnelle de Léonard qu'il avait à la fois une mère naturelle et une mère adoptive, alors C. Jung souligne la vie personnelle entrelacée de Léonard, le motif impersonnel de la mère double, que l'on retrouve dans la mythologie et la religion, le motif de la double naissance - terrestre et divine - depuis les "deux fois nés" dans l'Antiquité jusqu'aux enfants d'aujourd'hui. , qui ne sont pas « adoptés » par leurs bénédictions magiques ou malédictions des fées, mais qui, en plus des parents, ont un parrain et une marraine.
Bibliographie : Complexe pédagogique et méthodologique pour le cours ESTHÉTIQUE, Dedyulina M.A.
LA CRÉATIVITÉ ARTISTIQUE COMME MOYEN D'AMÉLIORER LA PENSÉE
Caractéristiques générales du concept de « pensée »
Caractéristiques générales du concept de « créativité artistique »
Mécanismes psychologiques de la créativité artistique, lien entre la créativité artistique et la pensée
1. CARACTÉRISTIQUES GÉNÉRALES DU CONCEPT DE « PENSÉE »
La vie présente constamment à une personne des tâches et des problèmes aigus et urgents. L'émergence de tels problèmes, difficultés, surprises signifie que dans la réalité qui nous entoure, il y a encore beaucoup d'inconnus, d'incompréhensibles, d'imprévus, de cachés, nécessitant une connaissance toujours plus approfondie du monde, la découverte de processus de plus en plus nouveaux, propriétés et relations des personnes et des choses. L’Univers est infini et le processus pour le comprendre est sans fin. La pensée est toujours dirigée vers ces profondeurs infinies de l’inconnu, du nouveau. Chaque personne fait de nombreuses découvertes dans sa vie (peu importe que ces découvertes soient petites, seulement pour lui-même, et non pour l'humanité).
Pensée - il s'agit d'un processus mental socialement conditionné, inextricablement lié à la parole, de recherche et de découverte de quelque chose d'essentiellement nouveau, un processus de réflexion médiatisée et généralisée de la réalité au cours de son analyse et de sa synthèse. La pensée naît de l'activité pratique de la connaissance sensorielle et va bien au-delà de ses limites.
L'activité cognitive commence par les sensations et les perceptions. Toute pensée, même la plus développée, entretient toujours un lien avec la connaissance sensorielle, c'est-à-dire avec des sensations, des perceptions et des idées. L'activité mentale reçoit tout son matériel d'une seule source : la connaissance sensorielle. A travers les sensations et les perceptions, la pensée est directement connectée au monde extérieur et en est le reflet. L'exactitude (l'adéquation) de cette réflexion est continuellement vérifiée dans le processus de transformation pratique de la nature et de la société.
L’image sensorielle du monde que nous donnent chaque jour nos sensations et nos perceptions est nécessaire, mais pas suffisante pour une connaissance approfondie et complète. Dans cette image sensorielle de la réalité directement observée par nous, les interactions les plus complexes de divers objets, événements, phénomènes, etc., leurs causes et conséquences, ainsi que les transitions mutuelles les unes dans les autres ne sont presque pas disséquées. Il est tout simplement impossible de démêler cet enchevêtrement de dépendances et de connexions, qui apparaît dans notre perception dans toute sa couleur et sa spontanéité, avec l'aide de la seule connaissance sensorielle. En perception, seul le résultat général et résumé de l’interaction d’une personne avec un objet connaissable est donné. Mais pour vivre et agir, il faut avant tout savoir ce que sont les objets extérieurs en eux-mêmes, c'est-à-dire objectivement, quelle que soit la façon dont ils apparaissent à une personne, et en général, qu'ils soient reconnaissables ou non.
Puisque dans le seul cadre de la cognition sensorielle, il est impossible de disséquer complètement un effet aussi général, total et direct de l'interaction d'un sujet avec un objet connaissable, une transition des sensations et des perceptions vers la pensée est nécessaire. Au cours de la réflexion, une connaissance plus approfondie du monde extérieur est réalisée. Il est ainsi possible de démembrer et de démêler les interdépendances les plus complexes entre objets, événements et phénomènes.
Dans le processus de réflexion, en utilisant les données des sensations, des perceptions et des idées, une personne dépasse en même temps les limites de la connaissance sensorielle, c'est-à-dire commence à connaître de tels phénomènes du monde extérieur, leurs propriétés et leurs relations, qui ne sont pas directement données dans les perceptions et ne sont donc pas du tout directement observables.
Pratique-efficace, visuel-figuratif et théorique-abstrait - interconnectés types de pensée . Au cours du développement historique, l’intelligence humaine s’est initialement formée au cours d’une activité pratique.
Génétiquement, le premier type de pensée - pratiquement -une réflexion efficace; Les actions avec des objets y sont d'une importance décisive.
Sur la base d'une pensée manipulatrice pratiquement efficace, il en résulte pensée visuo-figurative. Il se caractérise par une opération visuelle dans l’esprit. Le niveau de pensée le plus élevé est abstrait, la pensée abstraite. Mais ici aussi, la réflexion reste liée à la pratique.
La pensée des individus est également divisée en principalement figuratif(artistique) et abstrait(théorique). Mais au cours de la vie, pour une même personne, l'un ou l'autre type de pensée apparaît d'abord.
L'unité structurelle de la pensée pratique (opérationnelle) est l'action ; artistique - image ; scientifique - concept.
Selon le degré de généralisation, il existe empirique Et théorique pensée. La pensée empirique donne des généralisations primaires basées sur l'expérience. Ces généralisations sont faites à un faible niveau d'abstraction. La conscience empirique représente le stade le plus bas et élémentaire de la cognition. La pensée théorique révèle une relation universelle et explore l'objet de la connaissance dans le système de ses connexions nécessaires. Son résultat est la construction de modèles théoriques, la création de théories, la généralisation de l'expérience, la révélation de schémas de développement de divers phénomènes, dont la connaissance assure l'activité transformatrice d'une personne. La pensée théorique est inextricablement liée à la pratique, mais dans ses résultats finaux, elle jouit d'une relative indépendance.
Ainsi, les informations reçues par une personne du monde environnant lui permettent d'imaginer non seulement le côté externe, mais aussi le côté interne d'un objet, d'imaginer des objets en leur absence, de prévoir leurs changements dans le temps, de se précipiter avec la pensée dans les vastes distances et le micromonde. Tout cela est possible grâce au processus de réflexion. En psychologie, la pensée est comprise comme le processus de l’activité cognitive d’un individu, caractérisé par un reflet généralisé et indirect de la réalité. Partant des sensations et des perceptions, la pensée, dépassant les limites de l'expérience sensorielle, élargit les limites de nos connaissances de par sa nature, ce qui nous permet de révéler indirectement (c'est-à-dire par inférence) ce qui n'est pas directement donné (c'est-à-dire par perception). Ainsi, en regardant le thermomètre accroché à l’extérieur de la fenêtre, on constate qu’il fait assez froid dehors. En voyant la cime des arbres se balancer fortement, on comprend qu'il y a du vent dehors.
La sensation et la perception reflètent des aspects individuels de phénomènes, des moments de réalité dans des combinaisons plus ou moins aléatoires. La pensée corrèle les données des sensations et des perceptions, juxtapose, compare, distingue et révèle les relations. Grâce à la révélation de ces relations entre les propriétés directement données sensoriellement des choses et des phénomènes, la pensée révèle de nouvelles propriétés abstraites non directement données : identifier les relations et comprendre la réalité dans ces relations. Ainsi, la pensée comprend profondément l'essence du monde environnant, reflète l'existence dans ses connexions et ses relations.
2. CARACTÉRISTIQUES GÉNÉRALES DU CONCEPT
"CRÉATIVITÉ ARTISTIQUE"
La créativité est un attribut de l'activité humaine. Il a prédéterminé l’émergence de l’homme et de la société humaine et est à la base du progrès ultérieur de la production matérielle et spirituelle.
Selon Leontiev A.A., la créativité ne se réduit pas à l'activité de création de nouvelles valeurs matérielles et spirituelles, comme la définit le dictionnaire de psychologie (en toute honnêteté, notons que cette définition remonte à la définition de la créativité de L.S. Vygotsky comme « créer quelque chose de nouveau »). . Cette compréhension n'est correcte que du point de vue de l'approche « processuelle » de la créativité, qu'il faudrait plutôt qualifier de « résultante ». Ce n’est pas une coïncidence si la même entrée du dictionnaire parle d’un produit créatif comme « se distinguant par la nouveauté, l’originalité et le caractère unique ». Cette « nouveauté » ne peut cependant en aucun cas servir de base à une compréhension psychologique de la créativité. Même si nous parlons de créativité artistique, une telle compréhension laisse de côté une énorme couche de créativité dite exécutive - définir son caractère créatif à travers l'originalité du produit final nous semble exagéré.
Sous le nom général de créativité, ses différents types sont réunis : technique, artistique, pédagogique, éthique, etc. Tous ces types sont psychologiquement inégaux ; par exemple, la créativité technique et artistique est différemment corrélée à la pensée théorique. Mais ils ont une chose en commun : la capacité d’une personne à « agir dans des situations incertaines ».
La condition d’une telle capacité est la réalisation de soi (autodétermination) de l’individu. Selon A.A. Ukhtomsky, du point de vue de l'activité, une telle capacité est à plusieurs niveaux - elle peut notamment se manifester à la fois au niveau de la personnalité holistique (créativité artistique) et des composantes opérationnelles de la production ou cognitive (éducation). ) activité (résolution de problèmes dits créatifs ), au niveau de la structure de l'activité indicative et de la restructuration de la base indicative de l'activité, et in fine de l'image du monde (créativité scientifique), etc. Mais dans tous les cas, il s'agit de la « construction » indépendante d'un système de relations entre un individu et le monde objectif et social, dont cet individu fait partie intégrante. La nouveauté ici n'est pas dans un produit final objectivement nouveau, mais dans la création indépendante d'un système de relations avec le monde ou dans la transformation du monde (pas nécessairement « matériel », mais plutôt social, le monde de l'activité). et les relations : le monde dans son ensemble doit être présenté non pas comme un objet, mais comme un processus) à travers ses propres activités.
La créativité est la forme la plus élevée d'activité et d'activité indépendante de l'homme et de la société. Il contient un élément de nouveauté, présuppose une activité originale et productive, la capacité de résoudre des situations problématiques, une imagination productive combinée à une attitude critique envers le résultat obtenu. Le champ de la créativité couvre des actions allant d’une solution non standard à un problème simple jusqu’à la pleine réalisation du potentiel unique d’un individu dans un certain domaine.
Création est une forme historiquement évolutive d'activité humaine, exprimée dans divers types d'activités et conduisant au développement de la personnalité. Grâce à la créativité, le développement historique et la connexion des générations sont réalisés. Il élargit continuellement les capacités humaines, créant les conditions nécessaires à la conquête de nouveaux sommets.
Une condition préalable à l’activité créatrice est le processus de cognition, l’accumulation de connaissances sur le sujet à changer.
Activité créative - il s'agit d'une activité amateur, couvrant un changement de réalité et la réalisation de soi de l'individu dans le processus de création de valeurs matérielles et spirituelles, de nouvelles formes plus progressistes de gestion, d'éducation, etc. et repousser les limites des capacités humaines.
La créativité repose sur le principe de l'activité, et plus précisément de l'activité de travail. Le processus de transformation pratique par l'homme du monde qui l'entoure détermine en principe la formation de l'homme lui-même.
La créativité est un attribut de l'activité uniquement de la race humaine. L'essence générique d'une personne, sa propriété attributive la plus importante, est une activité objective, dont l'essence est la créativité. Cependant, cet attribut n’est pas inhérent à une personne dès sa naissance. La créativité n'est pas un don de la nature, mais une propriété acquise par le travail. C'est l'activité transformatrice et l'inclusion dans celle-ci qui sont une condition nécessaire au développement de la capacité de créer. L'activité transformatrice d'une personne l'éduque en tant que sujet de créativité, lui inculque les connaissances et les compétences appropriées, éduque sa volonté, la rend pleinement développée, lui permet de créer des niveaux qualitativement nouveaux de culture matérielle et spirituelle, c'est-à-dire créer.
Il y a deux interprétations créativité artistique :
épistémologique - depuis les idées anciennes sur l'âme comme cire dans laquelle les objets sont imprimés, jusqu'à la théorie de la réflexion de Lénine ;
ontologique - des idées anciennes sur la créativité en tant que souvenir de l'âme de son essence primordiale, des idées médiévales et romantiques selon lesquelles Dieu parle à travers les lèvres d'un poète, que l'artiste est un médium du Créateur, jusqu'au concept de Berdiaev, qui a donné à la créativité un élément fondamental sens existentiel.
Ni la composante ontologique ni la composante épistémologique de la créativité ne peuvent être négligées. V. Soloviev voyait dans leur interconnexion une condition du processus créatif. Il faut s'appuyer sur cette tradition théorique. C'est à partir de ces positions qu'il convient de considérer l'image artistique et ses caractéristiques.
Image artistique
est spécifique et présente les caractéristiques d'une représentation, mais d'un type particulier : une représentation enrichie d'activité mentale. Les représentations sont une étape de transition entre la perception et le concept, une généralisation des couches les plus larges de la pratique sociale. L'idée contient à la fois le sens et le sens du phénomène maîtrisé. Pour que les représentations artistiques deviennent accessibles au public, elles doivent être objectivées. Une image artistique est une objectivation d’un système de représentations artistiques.
Le principe conceptuel est également présent dans la pensée artistique - parfois sous une forme cachée, parfois sous une forme explicite. Le contenu conceptuel d'une œuvre d'art est constitué d'idées et d'idées objectivées dans l'image. La pensée artistique est figurative. Il allie généralité et spécificité avec une forme personnelle. L’art recrée la vie dans son intégrité et élargit et approfondit ainsi l’expérience de vie réelle d’une personne.
Il existe une hiérarchie de rangs de valeurs qui caractérisent le degré de prédisposition d'une personne à la créativité artistique : capacité - douance - talent - génie.
Selon I.V. Goethe, le génie d'un artiste est déterminé par le pouvoir de perception du monde et son impact sur l'humanité. Le psychologue américain D. Gilford note la manifestation de six capacités artistiques dans le processus de créativité : fluidité de la pensée, analogies et contrastes, expressivité, capacité de passer d'une classe d'objets à une autre, flexibilité adaptative ou originalité, capacité de donner le forme artistique les contours nécessaires. Le talent artistique présuppose une attention aiguë à la vie, la capacité de choisir des objets d'attention, de consolider ces impressions en mémoire, de les extraire de la mémoire et de les inclure dans un riche système d'associations et de connexions dicté par l'imagination créatrice.
De nombreuses personnes exercent une activité artistique sous une forme ou une autre à un moment ou à un autre de leur vie avec plus ou moins de succès. Cependant, seules les capacités artistiques assurent la création de valeurs artistiques d'intérêt public. Une personne artistiquement douée crée des œuvres qui ont une signification durable pour une société donnée pendant une période importante de son développement. Le talent donne naissance à des valeurs artistiques qui ont une signification nationale durable et parfois universelle. Un artiste brillant crée les valeurs universelles les plus élevées qui ont une signification pour tous les temps.
3. MÉCANISMES PSYCHOLOGIQUES DE L'ART
CRÉATIVITÉ, CONNEXION DE L'ARTISTIQUE
CRÉATIVITÉ ET RÉFLEXION
Parallèlement à la connaissance scientifique du monde des idées, le domaine de la connaissance des caractères humains se développait activement, ce qui conduisait finalement à la pénétration de l'individualité humaine dans le monde. Il s'agissait d'un domaine de créativité artistique et esthétique qui donnait la priorité non pas tant à la logique stricte qu'à l'intuition et donc, plus librement que la connaissance logique, se tournait vers la modélisation artistique de l'homme. La compréhension esthétique des images artistiques créées au moyen de la littérature et de l’art est devenue la voie qui a finalement contribué à la formation de la science psychologique, si nécessaire pour comprendre la culture dans son état phénoménologique et son déroulement historique.
L'activité artistique joue un rôle important dans le processus de connaissance scientifique de soi. Du fait qu'elle combine le monde de la raison et du sentiment, fécondé par l'activité projective de l'imagination, la créativité artistique a la capacité d'assumer les fonctions de connaissance scientifique. Cela se produit, en règle générale, dans les périodes où l'expérience socioculturelle est confrontée à la nécessité de présenter l'objet d'une étude scientifique, mais ne dispose pas encore des informations nécessaires à une généralisation scientifique suffisamment complète.
L'activité artistique, de nature syncrétique, combine des éléments de cognition rationnelle et d'orientation de valeurs dans l'activité projective de l'imagination.
La créativité artistique commence par une vive attention aux phénomènes du monde et présuppose des « impressions rares », la capacité de les conserver en mémoire et de les comprendre.
La mémoire est un facteur psychologique important dans la créativité artistique. Pour un artiste, elle n’est pas miroir, sélective et créative.
Le processus créatif est impensable sans l’imagination, qui permet la reproduction combinatoire et créative d’une chaîne d’idées et d’impressions stockées en mémoire.
L'imagination a de nombreuses variétés : fantasmagorique - chez E. Hoffman, philosophique et lyrique - chez F.I. Tyutchev, romantiquement sublime - chez M. Vrubel, douloureusement hypertrophiée - chez S. Dali, pleine de mystère - chez I. Bergman, réelle - stricte - par F. Fellini, etc.
L'imagination est comprise comme le processus cognitif mental consistant à créer de nouvelles images en traitant des matériaux de perception et de représentation obtenus lors d'expériences passées. L'imagination n'est inhérente qu'à l'homme. Il permet d'imaginer le résultat du travail, du dessin, du design et de toute autre activité avant qu'il ne commence.
Selon le degré d'activité, on distingue l'imagination passive et active, lorsque les produits de la première ne prennent pas vie. Compte tenu de l'indépendance et de l'originalité des images, elles parlent d'un imaginaire créatif et reconstructeur. En fonction de la présence d'un objectif consciemment fixé pour créer une image, on distingue l'imagination intentionnelle et non intentionnelle.
L'imagination surgit dans des situations d'incertitude, lorsqu'une personne a du mal à trouver dans son expérience une explication à un fait réel. Cette situation rassemble l'imagination et la réflexion. Comme l’a souligné Vygotsky L.S., « ces deux processus se développent de manière interconnectée ». La pensée assure la sélectivité dans la transformation des impressions, et l'imagination complète et concrétise les processus de résolution de problèmes mentaux et permet de surmonter les stéréotypes. Et résoudre des problèmes intellectuels devient un processus créatif.
Outre le fait que l'imagination repousse considérablement les limites de la connaissance, elle permet à une personne de « participer » à des événements qui ne se rencontrent pas dans la vie quotidienne. Cette « participation » enrichit son expérience intellectuelle, émotionnelle, morale, lui permet de mieux comprendre la réalité environnante, naturelle, objective et sociale. Et plus l’expérience d’une personne est riche, plus son imagination dispose de matériel.
La conscience et le subconscient, la raison et l'intuition participent à la créativité artistique. Dans ce cas, les processus subconscients jouent ici un rôle particulier.
Le psychologue américain F. Barron a examiné à l'aide de tests un groupe de cinquante-six écrivains - ses compatriotes - et est arrivé à la conclusion que chez les écrivains, l'émotivité et l'intuition sont très développées et prévalent sur la rationalité. Sur les 56 sujets, 50 se sont révélés être des « individus intuitifs » (89 %), tandis que dans le groupe témoin, qui comprenait des personnes professionnellement éloignées de la créativité artistique, il y avait plus de trois fois moins d'individus ayant une intuition développée (25 % ). Le rôle important du subconscient dans la créativité artistique a déjà conduit les philosophes grecs anciens (en particulier Platon) à interpréter ce phénomène comme un état bachique extatique, divinement inspiré.
Contrairement à l'image du monde scientifiquement fondée, qui préfère s'appuyer sur des connaissances éprouvées, l'image du monde créée par la créativité artistique permet non seulement l'existence d'une zone d'inconnu, mais tente également de modéliser son image possible. . Dans la créativité artistique, ce qui est possible acquiert le statut d'existant, stimulant l'identification consciente de ses signes ou caractéristiques dans la vie réelle. Ainsi, l’activité esthétique structure l’activité projective de l’imagination, la dirigeant vers le courant dominant de la connaissance rationnelle. Ainsi, l'activité cognitive, d'une part, est incluse dans la conscience de masse de la vie quotidienne et, d'autre part, reçoit une puissante impulsion pour le développement de ses domaines spécialisés. La créativité artistique - le domaine de prédominance de l'expérience de pensée - assume le rôle de leader du processus cognitif dans les cas où la science est encore impuissante à donner une image précise du phénomène ou à calculer les options possibles pour son développement. Le lien entre la connaissance historique et le domaine de la créativité artistique et le processus de sa compréhension n’était pas une invention des temps modernes. C’était hérité et traditionnel. Au fil du temps, il n'y a eu qu'une concrétisation et une redistribution des fonctions scientifiques et artistiques dans l'intérêt de la société dans la culture du passé et du présent.
La connaissance scientifique démembre l'espace et le temps pour la commodité de leur étude. La créativité artistique crée un chronotope - l'unité de l'espace-temps, où le temps devient, selon M.M. Bakhtine, la quatrième dimension de l'espace. Les images artistiques rendent les découvertes scientifiques psychologiquement acceptables pour la conscience ordinaire. En outre, ils suscitent la nécessité d’élargir davantage les horizons des individus, même de ceux qui ne possèdent pas les connaissances hautement spécialisées nécessaires. Les lois de la création d’images deviennent un domaine de connaissances spécialisées qui attire particulièrement l’attention des chercheurs. Les systèmes esthétiques fixent la manière de comprendre le monde qui s'est développée au niveau de la culture professionnelle ; ils postulent une image du monde sous la forme sous laquelle elle est accessible à la fois au penseur et au praticien. Les systèmes esthétiques contribuent à créer un champ d’expérimentation qui ne peut être réalisé en laboratoire. Ils offrent également l'occasion de tester la viabilité des matériaux créés et des constructions idéales, en définissant le développement artistique de la réalité comme son rôle dans la compréhension du monde à travers l'étude et la création de créations culturelles.
Ainsi, nous pouvons conclure que la créativité en général, et la créativité artistique en particulier, est un moyen d'améliorer la pensée. Ce qui ne peut être compris par les méthodes scientifiques peut être représenté par des images artistiques. Ce qui ne peut être immédiatement vérifié par une expérience sociale est modélisé par la collision d’une œuvre d’art.
C'est pourquoi il est nécessaire de développer la créativité chez un enfant dès le plus jeune âge, car c'est elle qui donne naissance à un fantasme vivant, une imagination vive, et développe et améliore la pensée. La créativité, de par sa nature, est basée sur le désir de faire quelque chose qui n'a jamais été fait auparavant, ou de faire quelque chose qui existait avant vous d'une manière nouvelle, à votre manière, mieux. En d'autres termes, le principe créateur chez une personne est toujours une recherche du mieux, du progrès, de la perfection et, bien sûr, de la beauté au sens le plus élevé et le plus large de ce concept.
Druzhinin V.N. note que les personnes créatives combinent souvent de manière surprenante une maturité de pensée, des connaissances approfondies, des capacités, des compétences diverses et des traits « enfantins » particuliers dans leur vision de la réalité environnante, dans leur comportement et leurs actions.
On entend souvent les mots suivants de la part des parents et même des enseignants : « Eh bien, pourquoi perd-il un temps précieux à écrire de la poésie - il n'a aucun don poétique ! Pourquoi dessine-t-il - il ne fera pas un artiste de toute façon ! Pourquoi essaie-t-il de composer une sorte de musique - ce n’est pas de la musique, mais une sorte d’absurdité !.. » C’est une illusion très dangereuse. Il est impératif de soutenir tout désir de créativité chez un enfant, aussi naïfs et imparfaits que puissent être les résultats de ces aspirations. Aujourd’hui, il écrit des mélodies maladroites, incapable de les accompagner même du plus simple accompagnement ; compose de la poésie dans laquelle des rimes maladroites correspondent à des rythmes et à une métrique maladroits ; dessine des tableaux qui représentent des créatures fantastiques sans bras et avec une seule jambe... Mais derrière toutes ces naïvetés, maladresses et maladresses se cachent les aspirations créatives sincères et donc les plus vraies de l'enfant, les manifestations les plus authentiques de ses sentiments fragiles et non encore formés pensées.
Il ne deviendra peut-être pas un artiste, un musicien ou un poète (même si cela est très difficile à prévoir à un âge précoce), mais peut-être deviendra-t-il un excellent mathématicien, médecin, enseignant ou ouvrier, et alors les moyens les plus bénéfiques lui permettront de faire eux-mêmes connaissent ses loisirs créatifs d'enfance, dont une bonne trace restera son imagination créatrice, son désir de créer quelque chose de nouveau, de propre, de meilleur, en faisant avancer l'entreprise à laquelle il a décidé de consacrer sa vie.
LISTE DES RÉFÉRENCES UTILISÉES :
Asmolov A.G. Psychologie culturelle et historique et construction des mondes. – M.-Voronej, 1996
Bakhtine M.M. Vers une philosophie de l'action. – M., 1986
Borev Yu. Psychologie de la créativité artistique. – M., 1999
Borev Yu. Esthétique. – M., 1988
Vygotski L.S. Imagination et créativité dans l'enfance. – M., 1991
Druzhinin V.N. Psychologie des capacités générales - Saint-Pétersbourg, 1999
Léontiev A.A. Apprendre à une personne l'imagination... - M., 1998
Nemov R.S. Psychologie. – M., 1995
La psychologie à visage humain : une perspective humaniste dans la psychologie post-soviétique / Ed. D.A. Léontieva, V.G. Shchur. – M., 1997
Psychologie. Dictionnaire. 2e éd. – M., 1990
Oukhtomski A.A. Interlocuteur honoré. - Rybinsk, 1997